Как сделать оркестровую аранжировку по миди
Обновлено: 07.07.2024
История о том, как я стал сочинять оркестровую музыку.
Я давно ничего уже не выкладывал из видеоуроков по игре на фортепиано и сейчас расскажу почему. В конце рассказа я продемонстрирую то, чего добился за последние полгода.
Где-то полгода назад я принял решение начать наконец-то овладеть музыкальным редактором. До этого моё музыкальное творчество ограничивалось фортепианными соло-композициями и мне захотелось двигаться дальше в направлении сочинения музыки и овладеть этим умением на хорошем уровне.
Для начала я решил сочинить песню, чтобы потом облачить её в современный многодорожечный трек. Каково же было моё удивление, когда музыку и слова к песне я сочинил за один день! Ничего себе начало, подумал я…
Пример моей старой-престарой работы, созданной еще в FL-studio лет 10 наверное назад (уже и забыл когда):
Моя песня с моим ужасным голосом (кто сможет спеть лучше — вставлю Ваш вокал):
Поскольку написать я хотел не о песне, а о том, что случилось дальше, то продолжу рассказ.
Пробовал делать разное.
Сейчас очень модно снимать детские видеоблоги и частенько для этих видеосюжетов требуется музыка, т.к. без музыки иной раз смотреть такое видео становится довольно скучно.
Трек в POP-стиле, предназначенный сделать хороший фон для видеоблога после хорошо проведенного отпуска:
В треки всегда старался также вставлять по максимуму свой основной инструмент — фортепиано, т.к. хорошее владение инструментом всегда является преимуществом перед теми композиторами, которые этим инструментом не владеют в должной мере и клепают треки, используя навыки игры на гитаре, других инструментах, или же просто набивая ноты мышкой в музыкальном редакторе.
Мотивационная музыка (модное направление корпоративной мотивационной музыки для презентаций):
(Было сделано еще несколько треков, но думаю, что не стоит перегружать эту историю слишком большим объёмом музыки)
Постепенно я пристрастился к использованию оркестровых инструментов. Помимо скрипок стал добавлять и духовые деревянные и медные инструменты, оркестровую перкуссию.
Этот трек передаёт настроение ночи, зажигающиеся звёзды и мечты. Он нарочно сделан в медленном темпе, и, кроме того, темп в течение всего трека изменяется, ускоряясь в более динамичных местах и замедляясь в менее динамичных. В конце трека пошла совсем другая мелодия и другая аранжировка, намекающая на волшебство ночи.
Интересной особенностью данного трека является то, что первая половина трека не имеет чёткого музыкального размера. Попробуйте просчитать его на 4 доли и ничего не получится, на 5 долей — где-то совпадёт, где-то нет. Удивительно, но факт — произведение слушается вполне нормально даже при отсутствии чёткой дольности ритма! Когда я писал мелодию к этому треку, то я старался уловить настроение и не обращать внимание на соблюдение размера. Когда уже закончил оформлять мелодию и добавлять инструменты к первой части, то стал считать такты и у меня вдруг челюсть отвисла — такты не хотели считаться. Тем не менее, я оставил всё как есть, т.к. эта нестыковка даёт важный момент — она как бы удлинняет вступление и делает его менее привязанным к темпу. Во второй половине произведения, ближе к концу, я урезал мелодию, чтобы появился чёткий четырёхдольный размер. Это было нужно для нагнетания обстановки в музыке. В конце использовал приём полутонового повышения баса (повышающийся тон Шепарда), который использовал Циммер в своих произведениях (да и не только он, конечно же!)
Треки в таком стиле у меня получается писать в среднем за 3 дня. Первый день уходит на сочинение вступления и первой части трека. Второй — на сочинение всего остального произведения. Третий день — на корректировку звука по всей длине трека. Последний этап один из самых важных, т.к. всё должно звучать идеально. Приходится по 20-30 раз прослушивать всё произведение целиком и исправлять какие-то замечания, возникающие по ходу прослушивания.
Понятное дело, что те оркестровые треки, которые я пишу на текущий момент — это саундтрековая музыка. Это не симфоническая музыка и не призвана приковывать внимание слушателя на долгое время. Вполне достаточно 3-4х минут, чтобы создать особое настроение, которое вместе с видеорядом должно передаться зрителю.
В последнем на текущий момент треке (закончил его буквально сегодня) я также добавил арфу, чтобы создать некое романтическое настроение:
Большим желанием на текущий момент является заняться каким-то реальным проектом по созданию музыки для реального фильма. Хочется уловить настроение фильма и передать его зрителю через музыку, а не выдумывать настроение из головы. Уверен, что у меня это получится, я чувствую в себе эту силу и хотел бы, чтобы Вы посоветовали мне, как стать композитором реального фильма, если Вы знаете, что для этого нужно сделать? Если не знаете, то напишите в комментариях, какие треки Вам понравились и почему? Буду рад любым комментариям и советам.
Как всегда, я перевожу то, что мне самому по какой-либо причине интересно. Перевожу своеобразно, иногда для пущей понятливости текста не дословно. А также я вставляю свои комментарии. Ну а теперь — к тексту статьи!
Преобразуем ваши идеи в целостные законченные треки!
Он может включать все, начиная от написания гармонии, создания частей, пере-аранжировки частей, , удаления, планирования структуры трека, или даже добавления и выведения эффектов время от времени.
Как в следствие, для многих, аранжировка трека — это когда музыка прекращает быть веселым и креативным занятием и на них начинают наползать ощущения тяжелой и мучительной работы.
Спешим обрадовать вас, это не обязательно должно быть именно так! Особенно если мы располагаем, всей силой и универсальностью, новых современных технологий! Наши возможности стали воистину безграничными, и процесс аранжировки может проходить относительно безболезненным. Итак, вот наших 22 лучших наших совета для создания аранжировки треков.
2. Не позволяйте себе заканчивать трек набившим оскомину приемом fade out (постепенное уменьшение громкости трека в конце композиции). Если это трек для альбома, или для радио, вы можете создать резкий обрыв в конце трека, или нечто такое, что не является просто обрывом в конце такта. Если музыка просто-напросто останавливается на полуслове, к примеру, то люди это заметят с большей вероятностью и, в конечном итоге, лучше запомнят ваш трек. Будьте оригинальны.
3. Попробуйте потихоньку вводить трек через интро, быть может через какой-либо саунд-эффект, такой как журчание воды (Это банальность, придумайте здесь что-то свое! — примечание Wolfframe). В классическом хаусе поздних 80-х, например, у Sueno Latino, можно встретить такой прием для во истину ошеломительного эффекта!
4. Не обязательно иметь интро в треке. Довольно большое количество треков, особенно в стиле хип-хоп, прекрасно себя чувствует без всякого интро. Популярная техника заключается в том, что вокал стартует чуть ранее всех инструментальных частей, т.е. до того как биты и музыка вступают непосредственно на 1 такте первой доле.
7. Если вы хотите внести жизнь в звучание ваших аккордов в различных секциях трека, попробуйте сделать так, чтобы различные партии синтезаторов играли ноты вашего аккорда (аккордов), причем каждый синтезатор играл лишь одну определенную ноту.
8. Никогда не стоит недооценивать силу вокала. Не стесняйтесь иногда отсеивать все кроме вокала в некоторых секциях вашей аранжировки.
9. Если ваша аранжировка перенасыщена, попробуйте удалять те партии, которые друг с другом явно сложно уживаются, и звучат чересчур заморочено. Например, если ваш вокал сталкивается с гитарными или клавишными партиями, попробуйте удалять эти партии там, где вокальная партия начинает звучать. BB King — мастер такого рода альтераций в вокальных и гитарных партиях. (Совет кажется очевидным, но, поверьте мне, не все начинающие находят в себе мужество жертвовать какой-либо частью своего трека ради другой. Это касается в основном малоопытных музыкантов, но и бывалые иногда перегибают палку. — Примечание WF).
10. Если вам нужно еще немного заполнить ваш припев, попробуйте дополнить ваш вокал с партией инструмента, который вторит ему теми же нотами.
12. Чтобы добавить больше волнения к струнным, падам или другим музыкальным частям во время ключевых моментов, попробуйте насытить их слоем какой-либо другой версии этой самой партии, но можно поднять ее на одну или пару октав выше.
14. Не стоит пренебрегать мощью такого эффекта как сайдчейн-компрессия на монотонных партиях других инструментов. Положите компрессор на них, направьте сигнал басового барабана на компрессор, для того, чтобы добавить им реальной динамики.
15. Будьте уверены, что хорошо знаете вашу целевую аудиторию, чтобы создавать вашу аранжировку согласно их запросам. Если вы полагаете, что ваш трек может быть прослушан в восемь часов вечера в автомобильной пробке, следовательно, вы напустите дрему на вашего слушателя… ну, это будет не очень хорошая идея… попробуйте что-нибудь энергичное. Ну а если вы пишите музыку для тихих гостиных, то это явно повод для более мягкого и сонного подхода в треке.
(Мало того, что вы должны подумать о слушателе. Не лишним было бы изучить страшный список топ 100 вашего стиля в Beatport. Его любят ругать, но ручаюсь, что в нем есть хорошие и заслуженные треки, пользующиеся популярностью. В них отражены не только запросы слушателей, но и лэйблов. Используйте их в качестве референс-треков. Равняйтесь на них. — Примечание WF.)
16. Аранжировка трека должно быть веселым и непринужденным занятием. Не пытайтесь вклинить большущие раскоряченные части трека в небольшие квадратные лунки, если чувствуете что это рвет все равновесие в треке. Удаляйте такие неприкаянные части без сожаления. (Или, если вы чувствуете в этой части хороший потенциал, оставьте ее для ремикса. — Примечание WF.)
17. Если вы хотите использовать легко читаемые и мощные инструменты типа сакса, удостоверьтесь, что вы держите его на небольшой громкости, иначе они могут доминировать в вашем треке и сломать баланс.
18. Если вы желаете воспроизводить ваш трек во время живых выступлений, вам необходимо переаранжировать его, уделив особое внимание большим и наиболее энергичным частям, которые, скорее всего, слушателям захочется послушать подольше. И не забудьте запланировать какую-либо более тихую секцию ближе к концу трека, для того, чтобы публика могла вдоволь проявить восторг и поаплодировать — около 16 тактов должно хватить. (Не переусердствуйте, и сделайте так, что если в вас полетят тухлые помидоры, это длилось не так долго, и чтобы можно было при случае тут же эффектно и легко воспроизвести уже что-то другое. — Примечание WF.)
20. Не пренебрегайте некоторыми старыми и веселыми трюками, например повышением тона вашего трека для добавления ему большей напряженности и энергии. Самый легкий способ сделать это — записать трек на два или три удара в минуту медленней, чем итоговый темп, затем просто использовать аудио редактор или варпинг в Аблетон для того, чтобы подогнать по скорости (и поднастроить pitch, к прмеру на полутон выше) тогда, когда он близится к завершению. (На мой взгляд автор был немного не в себе, и этот способ не очень хорош для качества итогового трека. — WF.)
22. Если вы делаете электронную музыку и планируете создать 3:57 радио версию вашего трека, постарайтесь сделать ее перед club-миксом (который по обыкновению ГОРАЗДО длиннее). В таком случае это гораздо легче, так как вам не придется мучится, выкидывая из композиции кропотливо созданные полтора-минутные ямы, и у вас не будет ощущения, что вы ампутируете для радио-версии очень ценные и дорогие сердцу части вашего трека.
Если данная статья вам понравилась и была полезной — расшарьте ее, поделитесь ею с друзьями! Это мне поможет! Спасибо! =)
Чтобы звучание вашей композиции было полным и насыщенным, её аранжировка должна обязательно включает в себя определённый стандартный набор партий. Подход, чем больше треков, тем лучше, в принципе, неправильный, так как любой инструмент вносит своё звучание в композицию и может быть так, что она будет звучать непонятно, кашеобразно, если в ней будут нарушены принципы оркестровки. В вашей композиции всё должно подчиняться не только законам гармонии, но и принципам ансамблевой игры.
При создании аранжировки обязательно должна учитываться специфика звучания того или иного инструмента. Давайте поговорим о том, какие партии должны быть в стандартной аранжировке, чтобы её звучание не казалось пустым или наоборот, перенасыщенным.
1. Мелодическая линия - это первое, что должна содержать любая композиция. С её записи, как правило, аранжировку никогда не начинают, но держать её в голове нужно с самого начала. Это зерно, сама идея вашей музыки, это то что нужно будет передать.
Это - главная мысль, всё остальное будет служить лишь подложкой, оформлением, формой. Мелодическая линия, как правило, содержится или в партии вокалиста или в партии солирующего инструмента. Если в композиции нет красивой мелодии, значит в ней нет темы и её развития.
Многие, начинающие музыканты, сочиняя что-то своё. часто увлекаются ритмом и всевозможными рифами. Им нравится слушать, придуманную ими ритмическую фигуру, но этого недостаточно, чтобы ваша композиция цепляла другого слушателя. Нет мелодии - нет темы, нет уникальности, есть только бит.
2. Линия баса - это очень важный элемент в любой аранжировке. Бас - это и часть ритм-секции, это и гармоническое движение в композиции. Именно линия баса определяет стиль, настроение, характер произведения.
Линия баса чрезвычайно важна и то, как она будет выстроена, какие тембры подобраны, какими штрихами будет исполнена - всё это придаст своеобразие музыке. Это основа, фундамент. Бас кажется очень простым инструментом, неповоротливым из-за своих низов, но как мелко, неосновательно звучит музыка без него. Своеобразность линии баса придаёт оригинальность исполняемой композиции.
3. Линия педали - это длинные, протяжные ноты или звуки, составляющие часть гармонии. Это аккорды, которые играются неярким тембром и довольно тихо по сравнению с другими инструментами. Линия педали (орган, синтезатор, пады) играет важную роль. Она удерживает всё гармоническую структуру песни или аранжировки, скрепляет.
На линию педали во время прослушивания можно и не обратить внимания, но, стоит её убрать, как вся фактура становится пустой. Если в вашей композиции не будет падов, в ней не будет хватать тех тонов, которые свяжут все звуки воедино.
4. Ритмический аккомпанемент - яркий инструмент, выполняющий гармоническую функцию и к тому же - создаёт ритмические рифы, фигурации, часть ритм секции. Примером тому может служить акустическая или электрогитара, банджо.
В совокупности с педалью и басом такие инструменты делают аккомпанемент ритм-секции полноценной, насыщенной. Если педаль является заполненним пространства длинными нотами, даёт разнообразную тембровую окраску, то ритмический аккомпанемент вносит движение в музыку.
5. Контрапункт - это ещё один желательный элемент стандартной аранжировки. Это своего рода - мелодическая линия, которая должна быть слабее основной, контрастировать с ней, оттенять её или дополнять.
Линия контрапункта появляется не сразу, а позже, когда на слуху уже звучит главная партия или мелодия. Контрапункт всегда способствует развитию произведения - создаёт другую часть его. Создать контрапункт - это значит услышать и исполнить новую мелодию на существующую уже гармонию, это своего рода мелодическое заполнение или дополнение.
6. Ударные инструменты - без этого невозможно представить многие современные стили. Я сам являюсь барабанщиком и знаю насколько важны барабаны или перкуссия в группе, в ансамбле. Это инструмент подчёркивания ритма, создания динамики, характера музыки.
Именно ударные, как ничто другое могут создать внезапное форте, заставить играть в нужном темпе и ритме, могут дать определённый колорит музыке. Тем не менее есть определённые стили музыки, где можно вполне обойтись без ударных. В таком случае роль поддержания ритма возьмут на себя инструменты ритмического аккомпанемента.
Придерживаясь вышеуказанных принципов, вы сможете делать хорошие аранжировки, которые будут звучать насыщенно и красиво. Используя свои творческие способности, навыки записи и редактирования звука, вы сможете создавать уникальные треки. Также вы можете разместить свою музыку в Интернет в формате mp3 бесплатно предлагая людям познакомиться с вашим творчеством. Это можно сделать в любой социальной сети или в музыкальном интернет- сообществе.
. Часто бывает, что от вас требуется написать стандартную аранжировку. В этом случае можно прибегнуть к программе Band-and-Box, которая заточена под создание аранжировок в разных стилях. Однако, как грамотно применить её в связке с миди редактором Cubase SX, вам расскажет и покажет Роман Борнысов в своем видеокурсе:
Учимся не портить песни и принимать правильные решения.
1 Учись у профессионалов
Послушайте свои любимые треки и подумайте, что придает их аранжировке тот самый шарм. Когда список фаворитов кончится, послушайте что-нибудь совершенно другое. Главное здесь не загонять себя в рамки одного стиля. Чем больше разной музыки вы слушаете, тем легче работать с аранжировкой: в любой момент времени этот багаж знаний подскажет, что можно добавить в текущий проект.
2 Будь самокритичен
Бывают случаи, когда мы добавляем в аранжировку какой-то новый элемент и испытываем невероятный эмоциональный подъем от этого, представляя как все удивляются нашей гениальности. В такие моменты полезно сделать пару шагов назад и проанализировать уже проделанную работу. Скорее всего новшества портят аранжировку.
Когда нам кажется, что какой-то элемент обязательно нужен треку, важна трезвость ума и отсутствие самолюбия. Реально оцените пользу от последних изменений и без зазрений совести выбросьте все лишнее. Да, идея была крутая, но не для этой песни.
При работе с аранжировкой иногда лучше не усердствовать с необычными ходами, а сделать что-то предсказуемое. Пусть в куплет играет только бас и ударные, а в припеве вступают все инструменты — люди ждут такого развития событий. Порой разочарование от неоправданных ожиданий может сильно испортить впечатление от песни, какой бы классной она не была. Применяя нестандартные решения, нужно быть уверенным, что они найдут отклик у слушателя.
3 Изучай музыкальную теорию
Знание музыкальной теории еще никому не навредило. К слову, с ней неплохо знакомы Джеймс Хэтфилд и Фли, но от этих знаний музыка Metallica и Red Hot Chili Peppers точно не стала хуже.
4 Дай вокалу больше самостоятельности
Вокал — это очень важная часть всего трека. Почему бы не сконцентрировать на нем больше внимания? Попробуйте начать или закончить песню только с помощью вокала. Создайте вокальные островки, в которых все инструменты затихают, оставляя пространство голосу. Зачастую такие ходы производят очень мощный эффект на слушателя, поэтому вокалу стоит давать больше самостоятельности.
5 Используй пространство с умом
Оставьте больше свободного пространства в аранжировке, особенно в куплетах. Нагружать аранжировку нет никакого смысла — слушатели быстро устанут и потеряют интерес к треку, если он свалит на них сразу все инструменты. Послушайте коммерческие записи и посмотрите, как к наполнению куплетов и припевов подходят профессионалы.
В куплетах лучше оставить ударные, бас и вокал. Когда после куплетного затишья в припеве в аранжировку включатся все инструменты, то это произведет на слушателя намного больший эффект, чем постоянный и не изменяющийся пласт звука.
Каждый инструмент должен занять свое место в аранжировке. Не допускайте, чтобы мелодия сталкивалась с аккомпанементом — музыка должна оставаться музыкой, а не превращаться в какофонию.
Постарайся не допустить, чтобы мелодия столкнулась лбом с аккомпанементом, ведь в таком случае все твои задумки превратятся в прах, а музыка станет нагромождением звуков. У тебя есть мелодия и вокальная партия — дай им свое место в композиции. Гитара или синтезатор, играющий похожую мелодию — это хорошо, но пусть и они останутся на своих местах.
В продолжение темы
6 Удели особое внимание вступлению
Жестокая правда современной музыки: большинство слушателей оценивает песни именно по вступлению. Если в первые пять-десять секунд песня не зацепила человека, то скорее всего он не станет слушать песню до конца.
Создание аранжировки подразумевает работу над всеми ее частями, но особое внимание нужно уделить вступлению. Интро — это не просто бит или какой-то рифф, это важная часть, которая должна зацепить слушателя и заставить его послушать песню до конца.
Проблема в том, что здесь нет и не может быть каких-то рецептов успеха. Ищите нестандартные варианты, слушайте разную музыку (мы советовали это в самом начале), ищите подходящие своим песням ходы. Интро может быть коротким или длинным, насыщенным или минималистичным, но главное — цепляющим.
7 Разнообразь припев
Даже если у вас есть отличный приставучий хук или стопроцентно цепляющий какими-то элементами припев, не надо использовать их постоянно. У каждого трека должна быть своя фишка, но ее постоянное повторение быстро наскучит слушателю.
Создание аранжировки подразумевает разнообразие, но речь не о том, чтобы сделать куплет в стиле диско, а припев в духе акустического техно. Меняйте партии, экспериментируйте с динамикой звука, перетасовывайте текст в рамках одной части песни. Аранжировка — это способ провести слушателя через рассказываемую песней историю, поэтому сделайте все, чтобы это путешествие было максимально интересным и необычным.
8 Используй необычные инструменты
Если вы чувствуете усталость от однотипных звуков в своей музыке, попробуйте разнообразить аранжировки необычными звуками. Если вы играете метал, добавьте в свои треки аккордеон. Пишете легкий поп? Задумайтесь о духовых инструментах.
9 Слои
Простейший способ сделать свои миксы жирнее и толще — это использовать несколько разных инструментов, играющих одну и ту же партию с различными интересными вариациями.
Пространственные подложки с невероятным сустейном не привлекают внимания слушателей, но обогащают музыку ощущением атмосферы. Если ваши треки звучат слишком сухо, добавьте пэды и поместите их вглубь микса.
Создание аранжировки подразумевает наличие в музыке идеального баланса между инструментальным наполнением и ясностью самого микса.
Тем не менее всегда помните, в каких регистрах звучат инструменты. Если все участники аранжировки сойдутся в одном регистре, то музыка будет звучать ужасно. Следите за тем, кто и в каком регистре живет и разделяйте партии между собой: если фортепиано играет очень высоко, то партию гитары нужно опустить ниже — инструменты не должны мешать друг другу.
10 Повнимательнее с ритмом
Работа с ритмом требует вдумчивого подхода. Иногда инструменты стоит свести к одному ритмическому рисунку, иногда, наоборот, дать им волю играть в разных ритмах. Главное, что нужно помнить: разные или одинаковые ритмы не должны портить общей картины аранжировки.
Одинаковый ритм может сделать песню скучной. При работе с разными ритмами можно слишком усложнить восприятие музыки слушателем. Ищите баланс, но не заостряйте особое внимание на этом моменте: ритм должен лишь дополнять общую картину, но не перетягивать одеяло целиком на себя.
Читайте также: