Как сделать микс плотным
Обновлено: 01.07.2024
У нас уже была одна статья о том, как сделать на записи звук гитары "толще" . А вот еще несколько советов, которые пригодятся, если вы планируете записывать гитарные партии хоть в студии, хоть дома.
Меньше – лучше. Стремясь заставить гитару звучать на записи внушительно, частенько громоздят одну дорожку на другую, даже если там записаны грязноватые партии пауэр-аккордов с недетским перегрузом. И получают в результате нечто, похожее на стену белого шума, через который нельзя слышать ноты оригинальной мелодии. Прямо противоположный эффект тому, что планировалось.
Так что одна хорошо сыгранная дорожка с правильно накрученным звуком будет лучше шести слабанных кое-как. Здесь "меньше" – значит "больше". Вспомним, как звучит, например, Nirvana. В группе было всего три инструмента – гитара, бас, барабаны, но звук получался очень плотным. А всё потому, что Курт играл хорошо, чисто, а звук был настроен так, чтобы гитара занимала своё верное место в миксе. Партии баса и барабанов тоже не лезли друг на друга, находясь в своих областях частотного спектра. Еще одна супергруппа с тремя музыкантами – Cream. Они славились своим тугим звуком, но не потому, что писали десяток дорожек с гитарами, а потому что играли хорошо.
Двойная запись (овердаббинг). Это когда поверх одной дорожки пишется еще одна. Например, если хочется широкого гитарного звука, записывают одно и то же соло два раза, на две дорожки, а затем разводят панораму одной влево, а другой вправо. Это здорово работает с акустической гитарой. В песне Daft Punk "Horizon" вступление было записано именно так, а похоже, что играют на одной гитаре, но с широкой стереобазой. С электрогитарой так тоже стоит попробовать, но только если в миксе не происходит больше ничего интересного. Например, можно сделать это во вступлении или в переходах между частями. Но в припеве, где звучит много инструментов, лучше свести эти две дорожки в одну монодорожку и дать остальным элементам композиции наполнить стереопространство.
Накрутим правильный звук. Стремясь заставить гитару звучать на записи внушительно, частенько громоздят одну дорожку на другую, даже если там. Гм, я, кажется, уже об этом говорил. Так вот, перед записью нужно настроить правильный звук. И это избавит вас от унылой возни с эквалайзерами после записи. Осторожней с верхами, с ними легко переборщить в усилителе. Поначалу кажется, что они дают яркость и присутствие, но это временная иллюзия. Много верхов дадут ту самую стену белого шума, которую вам меньше всего хочется слышать из своей гитары. Дайте сказать своё слово середине. Именно там живет звук гитары и там он по-настоящему велик. Если на усилителе или педали есть регулятор перегруза, добавьте чуток, только чтобы насытить выходной каскад, и пусть появившаяся "наждачка" прорезает будущий микс.
Сложим разные звуки. В третий раз повторю, что накладывание стопкой одинаковых гитарных треков только испортит микс. Удивительно, но очень часто при записи поступают именно так – в поисках плотного звука громоздят в центр панорамы один и тот же поганый. Если уж решили накласть, делайте это правильно. Ложите только два годных, живых звука, которые в одиночку сделают десять тех, которые пишут люди предложением выше. Разведите дорожки по стереопанораме чуть в стороны. Звук не будет широким, но он обретёт богатство и цвет.
Для записи дорожек пробуйте разные струны, гитары, педали, настройки усилителя, разные кабинеты, микрофоны и их положения. Если играете медиатором, вторую дорожку сыграйте пальцами, и наоборот. Немножко меняйте аккорды. Есть где развернуться.
Овердаббинг акустикой. Не совсем обычный ход, но он хорошо работает везде – от поп-музыки до хард-рока. Просто запишите поверх гитарной дорожки ту же партию на акустике. Отведите ее чуть в сторону и настройте уровень так, чтобы она дополняла первую дорожку. Акустический звук добавит полноту, яркость и естественную чистоту к электрогитаре. А достойная компрессия даст ему сиять сквозь окончательный микс.
Отстроить баланс между аудиодорожками – главный навык в сведении. Микс с правильно отстроенными уровнями уже зазвучит хорошо без обработок, тогда как кривой баланс не спасет ничто.
Также я расскажу немного о звуке.
Перед нами такой микс:
На всякий случай, разберемся, что перед нами на пульте:
1. Мастер-канал. На него идет сигнал со всех дорожек (каналов).
2. Фейдер мастер-канала. Двигается вверх-вниз, изменяет уровень (громкость, хотя так говорить не совсем правильно) сигнала на мастер-канале.
3. Индикатор уровня сигнала на мастер-канале.
4. Фейдер аудио- или инструментального канала.
5. Индикатор уровня аудио- или инструментального канала.
Как видим, перкуссия выпирает, бочка выпирает, бас не слышно, на мастер-канале перегруз. Одним словом – каша. Так это звучит:
Запас громкости (Headroom)
Цифровой звук устроен так, что его уровень не может быть выше 0 децибелл . Если все же он его превышает, возникает клиппинг – весь сигнал выше нуля просто срезается.
Чтобы этого не возникало, делают запас по уровню, т.е. чтобы уровень сигнала на дорожках не превышал определенное значение – headroom . Существуют разные стандарты, но я отстраиваю все от -12 дБ .
Итак, для начала опускаем фейдеры на -12 децибелл.
Уровни
Теперь займемся отстройкой уровней отдельных инструментов. Все, что я скажу ниже, весьма условно, зависит от стиля музыки, но это – отправные точки, от которых нужно отталкиваться в дальнейшем.
Вот как я отстраиваю инструменты.
Бочка: -12 дБ
Бас: -13…-14 дБ
Ритм-гитары, пианино, и похожие аккомпанирующие инструменты: -12…-14 дБ
Скрипки: -17…-20 дБ (или еще ниже – если звучат высоко)
Лиды: -17…-24 дБ
Высокочастотная перкуссия: -24 дБ и ниже (хотя бывают случаи, когда ее можно поднять и до -14 или -12 дБ).
Пэды: -20 дБ и ниже (чем выше тембр пэда, тем ниже его уровень)
И т.д., можно продолжать и продолжать. Общий принцип такой:
1. Чем выше звучание инструмента, тем ниже его уровень.
2. Солирующие инструменты, или те, на которых хочется сделать акцент в миксе, поднимаем чуть выше, чем надо.
На счет разных стилей музыки, вот что могу сказать из своего опыта:
Панорама
Тут также не существует жестких правил.
Во многих музыкальных стилях так сложилось, что низкочастотные инструменты (бас, бочка) располагаются по центру панорамы.
Малый барабан (сольник) и хлопки (Claps) также лучше оставить в центре.
Чтобы звучание перегруженной ритм- и соло-гитары было одновременно разборчиво, их часто панорамируют в разные каналы (главное, не жестко по разным каналам на 100%).
Высокочастотную перкуссию можно развести по панораме достаточно сильно (на 60-70%, или даже больше).
Вернемся к миксу
Так звучит наш трек из начала статьи с отстроенным балансом:
test_track_balanced.mp3
Да, грязновато, и чувствуется, что многим инструментам нужна компрессия (особенно сольной партии пианино). Но тут уже все более-менее на своих местах.
Ниже под спойлером я размещу скрин с отстроенными уровнями. Рекомендую не смотреть его сразу, а попробовать сначала отстроить баланс и панораму дорожек самостоятельно.
Дорожки в WAV Яндекс.Диск | Спакес
Дорожки в MP3 (объем архива ~1 МБ, хоть это и зашквар, сводить дорожки в мп3, но все же) Яндекс.Диск | Спакес
О звуке
Поскольку в статье про эквализацию Владимир так ничего и не понял, расскажу о звуке с самых-самых основ.
Природа звука
Что такое звук? Википедия нам говорит:
Звук — физическое явление, представляющее собой распространение в виде упругих волн механических колебаний в твёрдой, жидкой или газообразной среде.
На деле это выглядит так:
Как видим, звуковые волны – чередование сжатых и разреженных областей воздуха (либо другой среды).
Из графика на рисунке видно, что пики синусоиды – области максимально сжатых или разреженных областей , тогда как 0 означает нормальное давление ( состояние покоя ).
Характеристики звуковых волн
Скорость звука в воздухе. При нормальном давлении и температуре она составляет 343 метра в секунду.
Период колебания. Время, за которое проходит звук, успевая сделать одно полное колебание – т.е. пока синусоида на графике успеет нарисоваться от точки А до точки Б :
Длина звуковой волны. Расстояние, которое проходит звук за один полный период колебания.
Частота. Количество полных колебаний в 1й секунде.
Почему же так получается? Хотя бы по двум причинам:
1. Форма волны. Она далеко не всегда имеет вид идеальной (да и вообще) синусоиды.
2. Гармоники (обертоны). В природе сложно найти звук, который состоял бы из волны одной частоты. Обычно что-либо звучит на нескольких частотах одновременно.
Давайте я наглядно покажу это на спектроанализаторе. Представим, что по оси X у нас отложена частота , а по Y – уровень ( громкость ):
Как видим, звучание музыкального инструмента, да и вообще чего угодно – хоть кошки, которой наступили на хвост, состоит из основной частоты и обертонов, образованных от основной частоты.
Именно обертоны формируют звучание инструмента (тембр) , и изменение их громкостей (уровней) меняет тембр.
***
Все, можно перечитывать статью об эквализации еще раз
Эпилог
Кидайте в коменты отстроенные тестовые треки )) Потренируйтесь на них работать с эквалайзером. А я еще подумаю, о чем бы написать в следующий раз
Замечали когда-нибудь, что после сведения ваш микс всё равно звучит тише, чем треки исполнителей, которые вы покупаете?
Это потому, что после стадии сведения большинство треков проходят процесс мастеринга, в ходе которого уравновешиваются частотные характеристики и повышается общая громкость микса.
Мастеринг – это та финальная доводка, шлифовка трека, которая делает ваш микс гораздо привлекательней для слушателей. Микс становится глубже, плотнее, звонче, громче, прозрачней, объемный… (уже неплохо, не так ли?). При этом мастеринг решает еще одну важную задачу – он делает ваш микс слушабельным на абсолютном большинстве стерео систем, которыми обладают потенциальные слушатели. Все это положительно сказывается на будущем тиражировании вашего творения.
Влияние громкости микса на восприятие слушателя было замечено еще в 60-х годах, когда более громкие фонограммы чаще остальных ставились не только на радио, но и в специальных музыкальных автоматах в барах и забегаловках. Видимо человек, по мановению руки которого весь бар наполнялся очередной громкой мелодией, чувствовал себя в самом эпицентре внимания и королем местячковой вечеринки… эдаким лихим диск-жокеем.
Правда состояла в том, что громкая запись воспринималась как более качественная. Все это давно вылилось в так называемую “войну громкости”, которая давно уже достигла своего апогея с приходом некоторых панк-групп а также дабстепа:
Как закончить “войны громкостей” – дельное предложение.
Окей, но музыканту надо как-то выживать, когда вокруг ТАК ГРОМКО все булькает и громыхает. Поэтому давайте рассмотрим верного помошника в инструментарии Ableton Live, который позволит сделать микс на несколько децибел громче, а значит, наверстать результаты ваших конкурентов в “войне громкостей”.
Оружие номер один для такого рода битвы и есть лимитер, или, говоря по-русски, ограничитель:
Среди всех динамических процессоров Ableton Live Limiter — самый простой. Он всего лишь не даёт сигналу превысить определённый уровень, выставленный параметром Ceiling (потолок).
Лимитер не имеет регулятора Threshold (порог), так как его обязанности возложили на регулятор Ceiling. Если ваш потолок установлен на -1 дБ, и вы подаёте на вход сигнал, в котором нет пиков свыше -1 дБ, лимитер не будет иметь никакого эффекта.
Чтобы задействовать устройство, следует просто повышать уровень Gainдо тех пор, пока сигнал не начнёт выходить за пределы потолка. Измеритель подавления уровня (Gain Reduction meter) начнёт реагировать, и вы услышите, что общий уровень сигнала становится громче безо всякого намёка на клиппинг.
Ручкой Release можно точно настроить восстановительные характеристики лимитера, но в большинстве случаев устройство прекрасно справляется с этим и в режиме Auto.
Кнопку Stereo в большинстве случаев лучше не трогать, если только вы не хотите внести немного беспорядка в стереокартину вашей записи. В режиме Stereo амплитудный пик в каком-либо из каналов приведёт к понижению уровня в обоих, тем самым сохранив эффект стерео. Сменив режим на L/R, пики будут обрабатываться в каждом канале по отдельности.
Суровый аналоговый лимитер.
На чем именно применять лимитер? Вы можете применить его как на отдельных дорожках с целью убрать из амплитуды сигнала ненужные случайные “перегибы”, и “скачки”.
Особое внимание уделяйте тем дорожкам, сигнал на которых наиболее динамически изменчив – к таким дорожкам относятся дорожки с вокалом, ударными, перкуссией, гитарой. Не стоит перебарщивать с эффектом лимитера, однако самые громкие скачки амплитуды можно с успехом компрессировать, для того, чтобы в дальнейшем они не доставляли вам неприятностей.
Также лимитер будет полезен на мастер-шине. Но опять же – если его работа на мастер-шине во многом постоянна, это свидетельствует о том, что дорожки вашего микса обладают излишней совокупной громкостью. Лучше сделать их потише, чтобы на этапе мастеринга у мастер-инженера не возникло лишних проблем.
Окей, о лимитере пока что все. Надеюсь, информация в статье была полезной! Как бы там ни было – не забывайте делиться статьей с друзьями! Подымем уровень музыкальной грамотности вместе!
В последнее время слишком много "размытостей" на обосоленные темы сведения, гармонии, синтеза, дается начинающим, как в обучающих видео, так и информативных статьях, в сфере продакшена музыки.
В то время как, тем музыкантам, у которых еще пока НЕ ВСЕ гладко в их обучении и постижении такого не легкого ремесла, как написание музыки, нужны более конкретные ответы и решения реальных проблем в общей сфере - продакшен электронной музыки!
Так давайте же покончим с самыми больными и "непреодалимыми" проблемами у начинающих музыкантов в сфере написания музык.
1) Вы не понимаете гармонию
Ну или Вы не до конца понимаете все тонкости понятий лада и тональности.
Если Вам говорят, что Ваша музыка звучит не красиво и даже раздражающе, то, ВО-ПЕРВЫХ, ЭТО ТАК, а во-вторых скорее всего Вы пока еще болеете самой основной и частой проблемой всех новоиспеченных музыкантов – не пониманием гармонии и музыкальной теории. И это нормально :)
Для того, чтобы владеть нотами и строить красивые мелодии и аккордовые прогрессии, нужно знать простые правила взаимодействия этих нот и как ими пользоваться.
Без этих знаний у Вас так и будет всегда получаться не гармоничная каша, только убивающая УШИ и ДУШИ ваших слушателей и случайных жертв…
Все основные правила взаимодействия нот для построения красивой и музыкальной гармонии я собрал для Вас В ЭТОЙ СТАТЬЕ!
2) НЕ грамотно написанная аранжировка.
Огромная и очень распространенная проблема даже у профессионалов!
Потому что качественная аранжировка — это сразу много вещей:
Композиция, в том числе и электронно-танцевальная, всегда составляется из инструментов, которые в свою очередь занимают СВОЮ особенную активную позицию на определенном регионе всего частотного спектра.
И богатое звучание всего микса – это, часто заслуга именно правильно подобранных инструментов по регистрам (высотам и регионам частот).
Не маловажный момент и взаимодействие тембров (окрас и характер звука) между собой – комбинации характеров звучания. Какие-то работают лучше, какие-то между собой вообще не приживаются.
К примеру, если у вас очень насыщенный частотный спектр и богатое звучание партии Drop и без Lead партии, то будет скорее всего лишним подобрать на Lead инструмент – богатую в спектре жирную супер пилу (Supersaw) – лучше взять на роль Lead тембра, в этой ситуации, тонкий скрежет или пронзительную режущею пилу \ квадратоиду.
- Гармонически - красивые и ритмически – танцевальные партии самих инструментов.
Важно, что инструменты говорят и как их фразы взаимодействую друг с другом образуя композицию.
Здесь включается в игру пройденный этап гармонии и ритмики. И гармония, и ритмика всех инструментов должны сливаться вместе очень гармонично и слаженно, давая ясную и понятную для слушателя основную тему, и идею.
- Увлекательное для слушателя развитие этих инструментов в определенной логической структуре композиции (последовательности частей)
Инструменты должны не просто следовать друг за другом постепенно сменяя друг друга и возвращаясь обратно, один добавляясь, другой уходя – таким образом сменяя контекст и давая что-то содержательное, но и делать это плавно и интересно для слушателя,
С этим помогают плавные фильтрации, автоматизации, различного рода иные модуляции параметров, отдельные инструменты и звуковые эффекты (по типу Raiser или Build Up). А самое главное ритмические и гармонические приемы в аранжировке самих инструментов, для их же развития.
- Гладко подобранные переходы и транзиции между частями аранжировки.
Что это конкретно такое?
А это все звуковые эффекты для перехода (по типу Sweep In & Out Fade In & Out), это Fill партии из имеющихся элементов в треке или нововведенные в аранжировку (Ударные сбивки), это сами по себе инструменты из мира музыки (Crash и Re-crash – для вступления и перехода) и еще куча подобных реверсивных и вступительных элементов.
Это все, что помогает частям аранжировки перейти из предыдущей части и вступить в новую.
Подробнее об этих вещах я расскажу для Вас вот В ЭТОМ ВИДЕО. НО не забудьте вернуться обратно в эту статью, чтобы ознакомиться со всеми ее пунктами, так как все эти пункты - это самые честно-допускаемые ошибки ВСЕМИ начинающими в обучении EDM продакшену!
Что бы быстро и профессионально постичь все тонкости красивой аранжировки – просто берем и воссоздаем в своем секвенсоре композиции свои кумиров и те стили, что Вам нравятся больше всего. По сей день это самый быстрый способ для начинающих, научиться писать треки профессионально и получить свой авторский штрих!
* Важная сноска здесь – это у каждого стиля в электронной музыки могут быть свои очень разнообразные традиции и особенности в аранжировки – в каждом из вышеупомянутых пунктов.
3) Не правильно выставленный баланс инструментов вашего трека (уровни инструментов трека)
Это проблема относиться уже к части сведения и является ее ПЕРВОСТЕПЕННОЙ задачей – БАЛАНСИРОВКА уровней элементов композиции.
Если одни инструменты выставлены сильно вперед, перед слушателем (т.е. звучат относительно громко), а другие подавлены громкими инструментами и практически не слышны в общей массе аудио потока, то о красоте и музыкальности композиции говорить точно нельзя!
Самая частая проблема начинающих - это выведение Lead синтезаторов сильно вперед (на слишком громком уровне) как бы пренебрегая остальными инструментами, думаю логически, что Lead – это ведущая партия и она должна быть слышна больше других.
Но это далеко не так. Помните, что на первом плане так же сильно и отчетливо должны быть заметны Kick линия и Bass линия как минимум, и так же вокал если он имеется наряду с Lead партией.
Все подробности, а также как правильно и профессионально начинающему выставлять баланс инструментов в своей электронной композиции я ПОВЕДАЮ В ЭТОЙ СТАТЬЕ.
4) Не хватает КАЧА!
5) Трек звучит грязно
Эту характеристику композиция приобретает, если инструменты подобраны не совсем по регистру, не грамотно или ЧАЩЕ ВСЕГО, не сведены частотно в аккуратный микс.
В начале статьи, во втором пункте я упомянул, что каждый элемент и инструмент должен преобладать в композиции на своем регионе частот, в общем слышимом спектре от 20 герц до 20 килогерц, а если и есть пара инструментов, которые преобладают и делят свои права на частотном спектре, то их право быть услышанными делиться:
- во времени (ритмически или последовательно), самый удачный пример это бочка и бас – каждый раз, когда звучит бочка, бас элементы стоит приглушать свою амплитуду, чтобы не вызвать завалы или провалы на низких частотах.
- частотно, спектр одного в какой-то области уступает другому (из них выбирается более преобладающий, который, как правило, занимает больше и из него мы и вырезаем (убавляем) участок, который мы и уступаем младшему элементу).
- амплитудно – оба инструменты жертвуют своей амплитудой за право быть услышанными в миксе, сюда, как и, частично, в предыдущий пункт относиться лееринг (это- склейка двух или более тембров вместе, для получения более плотного и богатого звучания).
Грязь и конфликты, чаще всего могут быть заметны на низких (20-200 герц) и низких средних частотах (200-500 герц).
Так как стоит помнить один простой закон: «Чем ниже мы спускаемся по частотному спектру, тем меньше гармоник там может уместиться, следовательно, тем меньше инструментов этот регион может в себя поместить.
И в действительности если вы посмотрите на анализатор спектра во Fruity Parametric EQ 2 – то все станет понятно.
6) Трек звучит сухо и безжизненно.
Инструментам нужно пространство.
Нашим ушам, по природе хочется слышать звуки в пространстве, а не глухой комнате без отражений.
Тем более, композиция приобретает больше жизни и объема, кучу дополнительных положительных характеристик, когда мы поддаем обработке наши инструменты в треке, плагинами типа Reverb и Delay Chorus и подобными вещами.
Эти плагины работают на принципе задержки и отражении звука во времени, то есть они просто копируют существующих сигнал через время – создавая эффект нахождения его в пространстве и объеме. Но они все работают немного по-разному.
В умеренном кол-ве примененные такие эффекты отлично скажутся на многих типах тембра (Lead, Pluck, Pad, Arps, Vocals, высокая и среднечастотная перкуссия и ударные), за исключением низкочастотных инструментов, не стоит обрабатывать такими вещами Kick и Bass элементы, к примеру– так как это нарушает их отчетливость и низкочастотную сердцевину в композиции.
Максимизация – это процесс доведения среднеквадратичного значения громкости и мощности аудио до максимально громкого, в пределах разумного и адекватного звучания, конечно же.
Напомню, что пользоваться ими нужно без фанатизма и не доводить свой уровень громкости до нереально громкого!
Вот 7 наиболее слабых областей в продакшене всех начинающих музыкантов, работающих не только в жанрах электронной музыки.
Что бы постичь все сферы написания музыки профессионально и намного детальнее, статьи будет как минимум мало, тут даже книги скорее всего может не хватить!
Но если ВАМ интересен Ваш рост и развитие как EDM музыканта и продюсера, то все эти знания я собрал для Вас в подобном и пошаговом видео курсе, по созданию Progressive House трека с нуля и до полноценной "форматной" композиции!
За подробностями ЖМЕМ СЮДА.
Читайте также: