Как сделать сведение трека
Обновлено: 05.07.2024
Сведение музыки представляет собой процесс объединения отдельно взятых дорожек (партий инструментов) в единое целое, который заключается в коррекции баланса громкости, панорамы, частотных характеристик, наложении эффектов и некоторых других моментов.
Сведение музыки – это довольно широкая тема, описать которую несколькими абзацами просто нереально. Поэтому я постараюсь выделить основное.
Процесс сведения музыки можно условно разделить на несколько составляющих:
— эквализация или работа с частотным спектром;
— работа с уровнем сигнала;
— стереокартина;
— динамическая обработка;
— наложение дополнительных эффектов.
В этой статье я хочу остановиться на первых трёх пунктах.
Эквализация или работа с частотным спектром
Любая композиция состоит из N-ого количества дорожек, на каждой из которых используется определённый инструмент. Этот инструмент имеет свой неповторимый звук и занимает какую-то часть частотного диапазона. В процессе аранжировки многие инструменты частично перекрывают частотный диапазон друг друга. Это явление называется частотным конфликтом.
Так как в композиции присутствует не два и не три инструмента, то по мере увеличения их количества, также увеличивается количество частотных конфликтов. А это в свою очередь ведёт к потере чёткости и разборчивости каждого, отдельно взятого, звука. Получается своеобразная каша.
Для устранения нежелательных последствий частотных конфликтов используется всем нам известный прибор – эквалайзер. Он способствует разграничению инструментов в спектре и устранению, таким образом, частотных конфликтов.
Эквализация – это процесс обработки музыкальной композиции, результатом которого является хорошая читаемость микса.
С помощью эквализации мы будем добиваться хорошей читаемости. Для этого нам необходимо представить общую картину расстановки инструментов в спектре. Выглядит это приблизительно вот так.
После этого можем приступать к эквализации.
Для начала хочу сделать несколько замечаний.
1. Лучшая эквализация – это ее отсутствие. Вырезайте ровно столько, сколько необходимо для получения нужного результата. Не переусердствуйте. Вы можете испортить первоначальный тембр, сделать его безжизненным и чересчур синтетическим.
2. В процессе аранжировки постарайтесь выбрать такие инструменты, которые не сильно конфликтуют между собой. Тем самым вы упростите сведение трека.
3. При работе с эквалайзером, помните, что звук намного чище при понижении уровня определённой полосы, нежели при ее увеличении.
Ознакомиться с основными параметрами эквалайзера и узнать о них больше можно здесь .
Вы можете использовать как аппаратные, так и программные эквалайзеры. Я использую VST плагины Waves – Q1-10 Paragraphic EQ, REQ 2-6 bands, LinEq, а также стандартные инструменты программы FL Studio – EQUO, Fruity Parametric EQ и Fruity Parametric EQ 2.
Q10 Paragraphic EQ
Теперь переходим непосредственна к практике.
Для начала объединим все инструменты в группы. Например: ударные, бас, синты, пэды, лиды. Ударные можно дополнительно разбить на подгруппы – перкуссии и тарелки. Смотрим на схему.
Каждый инструмент направим на отдельный канал микшера и объединим нужные каналы в группу, направив их на следующий свободный канал. Таким образом, мы обеспечим себе большую гибкость эквализации и ускорим этот процесс.
Сначала эквализируем группы, а после занимаемся частотной коррекцией внутри групп.
Ещё одним важным моментом является автоматизация работы эквалайзера. Ведь на разных участках композиции одни инструменты вступают, а другие исчезают. Решив частотный конфликт с одним инструментом мы ухудшим этот конфликт с другим. Таким образом, настройки эквалайзера необходимо менять (автоматизировать), чтобы на протяжении всей композиции все инструменты звучали в гармонии и микс был хорошо читаем.
Работа с уровнем сигнала
Пару слов хочу сказать и о уровне сигнала инструментов (громкости).
Думаю, больших сложностей в понимании той простой истины, что одни инструменты в композиции должны звучать громче, а другие – тише, не возникает. Ищите оптимальное соотношение уровней сигнала. Используйте автоматизацию для выражения эмоциональных подъёмов или спадов.
Постарайтесь, чтобы вся композиция звучала гармонично.
Стереокартина
Работа с панорамой может поспособствовать разделению инструментов в миксе, если добиться этого с помощью частотной коррекции достаточно сложно. Также панорамирование способно расширить трек и добиться достаточно интересных художественных стереоэффектов.
При работе со стереопанорамой необходимо не забывать о моносовместимости композиции, если вы планируете раскручивать её на радио.
Моносовместимость – это возможность прослушивания трека в режиме моно без каких-либо искажений звука.
Эти искажения могут возникнуть из-за разницы в фазах сигналов снятых с правого и левого каналов. В результате сложения таких сигналов звук может полностью аннулироваться.
Для того чтобы избежать появления подобных явлений, используйте для контроля плагин Waves PAZ Position. Он имеет встроенный анализатор противофазы.
Противофазные явления располагаются в красной области ( слева и справа) с надписью AntiPhase.
После сужения стерео панорамы всё выглядит следующим образом.
В этой статье мы рассмотрели три составляющих процесса сведения танцевальной музыки – это эквализация, работа с уровнем сигнала и стереокартина.
Следующая статья будет посвящена двум оставшимся этапам сведения музыки – динамической обработке и наложению дополнительных эффектов.
Удачи в творчестве!
Я думаю, что некоторые музыканты, имевшие опыт студийной записи, возможно, сталкивались с необходимостью дальнейшей работы над песней, а именно с её сведением, но в другой студии. Спрашивается, зачем? Зачем музыкантам отдавать запись на сведение в другую студию, если можно сделать сведение там же где и запись? На самом деле однозначно ответить на этот вопрос нельзя, так как причин может быть несколько. Например, в другой студии могут быть большие технические возможности, более квалифицированные специалисты или, например, выгодные цены и короткие сроки выполнения работы. Перечислять все причины я думаю, нет никакого смысла, так как их может быть очень и очень много.
Конечно, студий в нашей стране существует огромное количество, и у каждой из них свои требования и правила. Но в целом, есть общие правила, соблюдая которые вы вряд ли столкнётесь с какими-либо проблемами, которые помешают сделать сведение быстро и качественно. И также вряд ли какая-либо студия откажется с вами работать.
Ниже я предлагаю вам рассмотреть все эти правила по порядку. Хочу обратить ваше внимание, что мы будем рассматривать правила подготовки дорожек в цифровом виде, в виде аудиофайлов.
1. Форматы файлов
Каждая студия принимает на сведение файлы определённых форматов. Некоторые, а скорей даже большинство, студий принимают дорожки по отдельности в виде аудиофайлов, а некоторые принимают также и файл проекта (сессии) какой-либо программы, например, Cubase, Nuendo, Logic, Samplitude и т. д.
Прежде чем нести файлы в студию, поинтересуйтесь, в каких форматах там принимают файлы. Наиболее распространёнными форматами, которые принимают практически все студии, являются форматы wav и aiff, поэтому если ваши треки в одном из этих форматов – уже не стоит беспокоиться по этому поводу. Очень желательно, чтобы все дорожки были одного формата, поэтому лучше также узнать, принимает ли студия дорожки одного проекта в разных форматах.
2. Разрядность и частота дискретизации
Очень важны разрядность и частота дискретизации (семплирования) файлов. Часто студии отказываются от работы именно из-за неподходящей разрядности и частоты дискретизации файлов. Некоторые студии настаивают на том, чтобы разрядность и частота дискретизации дорожек были как можно выше, некоторые просто указывают допустимые варианты.
Но всё же, вариантов не так много. Обычно студии практически всегда принимают файлы с разрядностью 24 bit и очень многие с разрядностью 32 bit float. А вот треки с разрядностью 16 bit большинство студий принимать отказывается, поэтому стоит это учитывать. Также многие студии не принимают дорожки с разной разрядностью. Во всех современных профессиональных студиях звукозаписи запись происходит с разрядностью не ниже 24 bit, поэтому звукорежиссёр пересчитывает дорожки в том же формате, в каком проводилась запись.
Что касается частоты дискретизации, то здесь проблем может возникнуть несколько больше. Во-первых, потому что несколько больше вариантов: 44,1 kHz, 48 kHz, 88 kHz (встречается сравнительно редко), 96 kHz и 192 kHz – это наиболее распространённые частоты дискретизации.
Обязательно узнайте принимаемые частоты семплирования, прежде чем отдавать файлы на сведение. В большинстве случаев студии принимают файлы с частотами 44,1 kHz, 48 kHz и 96 kHz.
Также хочу предупредить, что лучше оставить исходную частоту семплирования всех записанных дорожек, чем менять её. Обычно потрековая смена частоты дискретизации ведёт к ухудшению качества звука, поэтому лучше не производить передискретизацию, а отдать треки в ту студию, где принимают файлы с вашей частотой семплирования.
Хотя обычно серьёзных проблем на этом этапе не возникает, потому что есть определённые стандарты, от которых студии отстраняются крайне редко и стараются их придерживаться.
Но что точно не допустимо ни в каких студиях, это дорожки с разной частотой семплирования. Такие треки не принимаются никакими студиями, так как корректное сведение таких треков невозможно технически.
3. Синхронизация треков
А вот при несоблюдении этого правила – треки очень часто возвращаются заказчику. Что значит синхронизация треков? Это значит, что все треки должны начинаться от единой точки (чаще всего от ноля). Звукорежиссёр, который будет пересчитывать треки, обязан знать это правило. Если этого не сделать, то звукорежиссёр, который будет делать сведение, замучается расставлять треки в программе, так как он просто не может знать, где какой трек должен начинаться. Если же пересчитать все треки от ноля, то звукорежиссёр просто экспортирует их в программу, и все они станут как надо.
4. Обработка треков
Обычно в студиях требуют предоставлять им треки без какой-либо внешней обработки, и почти все требуют отключать пространственную обработку типа reverb, delay и т. п. Некоторые студии наоборот просят не отключать обработку, иногда даже пространственную, некоторые просят оставить динамическую и частотную (компрессия, эквализация и т.д.), но отключить пространственную и т.д. Если же запись уже произведена с эффектами (что не всегда хорошо), обязательно узнайте, примут ли такие треки.
Но, пожалуй, оптимальным вариантом будет предоставление студии как обработанных, так и необработанных треков.
5. Нумерация и название треков
Уверен, что ни одному звукорежиссёру не понравится, если вы предоставите ему не ясно и не понятно подписанные треки. Конечно, это не будет поводом для отказа от сотрудничества, но увеличит время работы и потреплет нервы звукорежиссёру, который будет прослушивать каждый трек и подписывать его.
Поэтому позаботьтесь о правильном наименовании треков. Лучше для наименования треков пользуйтесь латиницей, а не кириллицей. Многие программы и операционные системы воспринимают кириллицу как набор иероглифов, с латиницей же таких проблем обычно не возникает. Примеры правильного наименования треков: electric guitar-1, bass, snare drum, piano left hand и т. д.
6. Pre-mix
Я рекомендую подготовить так называемый pre-mix - изначального, несведённого общего микса всех дорожек с эффектами и обработкой. Желательно также если можно сделать хотя бы минимальное черновое сведение. Нужно это для того, чтобы звукорежиссёр, который будет делать сведение, имел представление о характере звучания песни, примерном балансе инструментов и обработке.
Этого требуют не все студии, но если вы это сделаете, и вам и звукорежиссёру это будет в плюс.
Что касается формата, то здесь конкретных рекомендаций дать не могу. Чтобы не ошибиться, сделайте pre-mix в том же формате, с той же разрядностью и частотой дискретизации, что и все отдельные треки.
7. Треки-образцы
Я настоятельно советую вам предоставить звукорежиссёру 2-3 композиции-образца, на звучание которых вы ориентируетесь. В таком случае вы облегчите работу звукорежиссёра, ему станет понятней к какому звуку стремиться, как и какое оборудование и обработку использовать в работе.
Формат в данном случае значения не имеет. Здесь важнее качество. Поэтому если у вас есть возможность, отдайте предпочтение фирменному CD, нежели пережатому mp3 с низким битрейтом.
8. Темп композиции
Указания темпа композиции требуют не все и не всегда, но вы будете только в плюсе, если точно укажете темп композиции в BPM. Иногда это облегчает звукорежиссёрам работу с эффектами и обработкой. Например, чтобы точно настроить повторы delay, зная темп композиции в BPM достаточно высчитать значение в миллисекундах по простой формуле. Если же темп неизвестен – придётся всё настраивать вручную.
Заключение
Ну, вот мы с вами и рассмотрели основные правила, придерживаясь которых, вы скорей всего не столкнётесь с проблемами, которые воспрепятствуют сделать сведение и быстро и качественно. Главное – прежде всего, узнайте все требования к принимаемым файлам, и уж потом занимайтесь их подготовкой. В таком случае ни одна студия не откажется с вами работать, а возможно даже сделает вашу работу лучше, чем вы ожидаете. Успехов вам!
Существует два способа сводить трек: со стратегией, и без. В то время, как второй вариант будет более веселым, интересным и увлекательным подходом – в 99% случаях всё заканчивается тем, что проект собирается заново. Вот пять способов, которые помогут сосредоточиться и выбрать правильную стратегию сведения трека.
Это верный и классический подход, чтобы сосредоточиться на художественных элементах трека. Сводить проект начните с барабанов и перкуссии. Сделайте максимально плотный и объемный звук (фундамент трека). Правильно сведенные ударные – это 50% работы над миксом. После того, как собрали ритм-секцию, начните вытягивать остальные инструменты. Большим преимуществом данного подхода является то, что вы выстраиваете звуки инструментов вокруг основы трека.
Это общий подход, который начинают с “координационного” элемента (очень часто им является вокал). Вы получаете сияющий прозрачный звук вашего вокала, а затем начинаете выстраивать остальные инструменты вокруг его. Таким образом, от главных звуков, которые играют важную роль – вы идете к тем, которые играют роль второстепенную. Таким образом, удобно выстроить логическую цепочку, и выделить нужные звуки. Важное преимущество данного подхода – вы можете выделить самые важные элементы, и поставить их на первый план.
Менее распространенный, но очень эффективный подход, чтобы начать сведение с ваших низких басовых элементов и построить микс вертикально. Идея такова: сразу можно свести глубокий бас (808), sub бас, и все, что находится в нижнем диапазоне частот. Потом перейти на бочку (она немного выше частотно, чем бас). Потом рабочий барабан (он выше частотно, чем бочка), и таким образом инструмент за инструментом подниматься до hats и crash. Большим преимуществом этого подхода является то, что он делает ваши решения эквализации прозрачными и грамотно разложенными в проекте. Каждый инструмент будет находиться на своем месте, и не будет конкурировать с другими звуками.
4. Постепенное исправление
К примеру: вы оставляете живое звучание гитары, но когда вступает бас, они начинают конкурировать и гудеть. Именно в момент вступления баса – ставите фейдер среза частот на живую гитару. Таким образом, вы их склеите частотно, и тем самым оставите живое звучание гитары в солирующих участках. Когда закончите данный этап, можно оставить работу с фейдерами, и заняться полноценным сведением трека.
5. Создаем пространство
Идея заключается в том, что перед тем, как работать с инструментами частотно, вы первым делом наполняете трек пространством (реверберация, дилей, fx). Сразу выстраиваете всю идею пространственной обработки, потом отслеживаете, как это звучит, и где самые проблемные участки. Затем начинаете исправлять данные участки, делая полноценные срезы частот и техническое вмешательство в звук.
Нужно заметить, что данный подход не подходит для жанров, где искусственное / нереальное / разнообразное пространство (поп, EDM, Рэп, Хип-хоп). Этот подход полезен исключительно для тех стилей, которые желают иметь более естественное звучание и атмосферу (джаз, классический рок, инди-рок). Преимущество этого подхода в том, что вы создаете полноценное стереозвучание с самого начала.
Находим частоты для сведения, подчеркиваем сильные стороны голоса, добавляем объём и устраняем частые проблемы.
Сведение вокала — кропотливый процесс для самых терпеливых. Повернули ручку эквалайзера слишком сильно — голос потерял характер, недокрутили — стал мешать другим инструментам, навалили компрессии — вокал выбился из микса и стал звучать как-то чужеродно. Специально для тех, кто взялся за обработку вокала, компания iZotope опубликовала в своём блоге заметку о сведении голоса с помощью плагина Neutron 2. Из этого материала вы узнаете, в каких частотах живёт вокал, как подчеркнуть сильные стороны любого голоса, избавиться от сибилянтов и устранить частые проблемы дорожек вокала.
Иногда непонятно, что нужно сделать с вокалом, чтобы он звучал отлично. Сведение превращается в утомительное тасование эквалайзеров, лимитеров, компрессоров и ещё десятка процессоров. Мы не знаем, какие проблемы с голосом в ваших миксах, но предлагаем девять советов по сведению вокала.
Все эти советы не имеют смысла, если вокал сам по себе записан плохо. Чтобы избежать ошибок при записи, обратитесь к нашему гайду по записи вокала в домашних условиях и списку распространенных проблем.
Другие материалы серии
1 Частотные диапазоны вокала
Вокал — штука индивидуальная, каждый голос звучит по-своему. Многое здесь зависит от тембра голоса и доступного вокалисту диапазона. Несмотря на это, существуют несколько диапазонов, по которым нужно пройтись, взявшись за сведение вокала.
В районе низких частот голос зачастую фильтруется выборочно и аккуратно, а большинство проблем с низом и гулом можно решить самим микрофоном. Во время записи активируйте переключатель низкочастотного обрезного фильтра — это устранить неприятный них ещё на этапе записи. Обычно системы фильтрации, установленные в микрофонах, обрезают сигнал в районе 75 Гц, устраняя только основные проблемы.
Дальнейшие проблемы с низом можно устранить уже в DAW — в зависимости от голоса можно фильтровать вокал до ±100 Гц. Полагайтесь на слух: если голос сам по себе ярко выражен в нижнем диапазоне частот и после обрезки потерял характер — ослабляйте фильтр. Женский вокал можно отфильтровать ещё сильнее.
Если голос вокалиста по характеру напоминает томный вокал а-ля Леонард Коэн или Барри Уайт, не увлекайтесь с фильтрацией. Такому типу голоса нужно больше низких частот.
Полнота и объем в районе 150 Гц
Пластиковость и пустота в районе до 500 Гц
Если вокальный трек страдает от нехватки объёма и пластиковости (коробковитости) звучания, исследуйте зону до 500 Гц. Если в этом пределе проблема не обнаружится, поднимайтесь выше до 800 Гц.
При обрезке всегда используйте очень узкую Q (форму кривой эквализации). Причина такого проста: точечное устранение проблем. Слишком широкая кривая может случайно отрезать лишнее в соседних диапазонах, что лишит голос естественности.
Нозальность в районе 1 кГц
Присутствие в районе 5 кГц
Если вокал не может пробиться через микс, добавьте присутствия в районе 5 кГц. Усиление этой зоны немного выдвинет вокал на передний план и поможет голосу найти свое место на фоне других инструментов.
Резкость, шипение и сибилянты в районе 7 кГц
Пение некоторых вокалистов отличается большим количеством сибилянтов — шипящих и свистящих призвуков на буквах С, Ш, Ж, З, Щ. Из-за того, что в этих звуках слишком много динамики и атаки, они режут слух. Когда певец подходит слишком близко к микрофону, это естественным образом усиливает низкие частоты и сибилянты. По той причине, что вокалисты никогда не стоят на месте при записи и постоянно двигаются, даже самые крутые дубли местами заплывают низом и резкими звуками.
Про низ мы уже говорили, а что касается сибилянтов, то в мужском голосе они живут в диапазоне от 3 до 7 кГц, в женском — от 5 до 9 кГц. Найти точные места можно только опытным путем, но искать нужно именно в этих пределах. Для начала ослабьте зону в районе 7 кГц — так подобные звуки станут менее чёткими и перестанут бесконтрольно вырываться вперёд. Устранить такие звуки можно также с помощью де-эссера или компрессора, настроенных на зону сибилянтов.
Частотные диапазоны всех инструментов
2 Использование Track Assistant в продуктах iZotope
Обычно на дорожке вокала висит эквалайзер, пару компрессоров, гейт, де-эссер и что-нибудь ещё. Если вы новичок и не большой мастер обработки сигнала, попробуйте плагины от iZotope, например, iZotope Neutron 2. Такой ход удобен по двум причинам.
Во-первых, в его составе присутствуют модули эквалайзера, компрессора и других эффектов — можно заменить пачку плагинов одним. Во-вторых, в Neutron добавлена отличная штука — Track Assistant. Умный помощник автоматически анализирует поступающий с дорожки сигнал и подбирает модули и настройки так, чтобы улучшить аудио.
Что хорошо: Track Assistant не тиран и довольно сговорчивый парень. Не понравилось то, что выбрал искусственный интеллект — уберите модули или измените их настройки. При этом по Track Assistant можно увидеть существующие проблемы записанного вокала — удобно для начинающих, которые только разбираются в сведении.
3 Добавление лампового налёта, чтобы помочь вокалу пробиться через микс
Ламповые микрофоны, усилители и компрессоры популярны по той причине, что добавляют любому сигналу приятные гармонические искажения. В составе все того же iZotope Neutron 2 присутствует модуль Exciter с X-Y-регулятором. Перемещая указатель по панели, можно получить лампоподобные искажения или небольшой налёт винтажной сатурации (или и то, и другое сразу).
Управление модулем эксайтера довольно простое: регулятор Drive отвечает за количество обработки, Blend за соотношение исходного и обработанного сигнала, X-Y за соотношение типов искажения. В дополнение к ним предусмотрены три режима пре: Full, Defined, Clear. В зависимости от выбора, эксайтер изменит частоты в районе нижней середины (полнота и мясо вокала, о которых мы говорили) или верхней середины (присутствие).
4 Устранение предыханий и фонового шума
Когда певец стоит в вокальной комнате, микс в наушниках может просачиваться сквозь амбюшуры и чашки, и захватываться микрофоном. Иногда вы ничего не можете с этим сделать: все зависит от того, как громко играет микс, как близко стоит вокалист к микрофону, какие наушники используются. Всё, что вам остаётся в такой ситуации — вырезать все регионы, где вместо тишины слышны отголоски микса.
Если убрать такие моменты не получается, нужно понизить их уровень так, чтобы они не были заметны. С этим справится гейт. В том же iZotope Neutron 2 модуль гейта можно гибко настроить, указав ему разный порог срабатывания для тех мест, где вокалист молчит и где поёт.
В отличие от большинства гейтов, модуль гейта в Neutron 2 очень наглядный: в интерфейсе отражается вся дорожка в мельчайших подробностях и специальная линия порога срабатывания. Линия работает аналогично кривым автоматизации — можно настроить работу гейта хоть посекундно.
5 АЧХ микрофона как подсказка при сведении
Когда музыканты берутся за сведение вокала, то не всегда знают с чего начать и что именно нужно сделать с голосовой дорожкой. На самом деле все несколько проще: если не брать в расчёт особенности голоса, то многое о дальнейших действиях подскажет сам микрофон и его АЧХ.
Возьмём для примера популярный Shure SM57. Этот микрофон отличает немного шипящее звучание из-за мощного подъёма в верхней середине, в пределах 3-7 кГц. Буст в верхней середине пригодится на концертах, когда вокалу важно пробиться через плотный живой микс. Усиление в районе 5 кГц — настоящий подарок для вокалиста и звукорежиссера, так как голос отчётливо будет слышен в мониторах.
Посмотрев на АЧХ микрофона и зная вокал певца, можно уверенно ослаблять диапазон 3-7 кГц, чтобы обуздать верхнюю середину. Несмотря на то, что частоты в этих пределах обычно принято усиливать, чтобы голос пробился сквозь микс, в случае с резким вокалом и SM57 такое решение только навредит проекту.
Вывод простой: прежде чем делать сведение вокала, изучите АЧХ микрофона, которым записывали голос. Это даст множество полезных подсказок, с чего начать работу.
6 Раскрытие бэк-вокала
Суть функции похожа на сайдчейн. Звукорежиссер указывает эквалайзеру на вторую дорожку бэк-вокала, плагин балансирует настройки так, чтобы оба сигнала было отчётливо слышно. Если на дорожках основного и бэк-вокала висит по копии Neutron, то эквалайзер может даже показать проблемные места, в которых происходит маскировка и нежелательное слияние сигналов.
7 Эквализация перед компрессией
Разработчики мультиэффектов и комплексных инструментов обработки знают об этом — в большинстве пресетов эквалайзер всегда будет стоять перед компрессором. Помните, что задача эквалайзера — скорректировать сигнал, а компрессора — украсить его.
8 Расширение звучания вокала и искусственный бэк-вокал
Чтобы добиться очень объёмного и широкого звучания вокала, можно воспользоваться приёмом Бьёргвина Бенедиктссона. Работая с голосом, Бенедиктссон создаёт три шины для вокала, каждая из которых по-своему обрабатывает голос.
Шина 1
Шина для дабл-трека (дублирующая шина). На эту шину помещаются дилэй, а также плагины Waves Doubler и/или Waves ADT Reel To Reel. Задача этой шины — создать ощущение дабл-трека. Пригодится, если у вас нет возможности записать бэки или продублировать основную линию голоса. Очень короткий дилэй здесь служит лайфхаком, расширяющим звучание.
Внутри стереодилэя выставите соотношение каналов так, чтобы слева задержка составляла 21 мс, а справа — 29 мс. С помощью питчшифтера повысьте или понизьте вокал примерно на 10 центов. Звучание должно быть естественным и похожим на обыкновенный бэк-вокал.
Шина 2
Шина для дополнительной реверберации. Работает, которая работает параллельно основной шине реверберации для инструментов. Разница в том, что реверберация для инструментов склеивает элементы микса между собой, а реверберация для вокала помогает найти идеальное звучание голосу.
На самой шине Бенедиктссон помещает компрессор, стереодилэй и ревербератор. Компрессия дополнительно сжимает сигнал и придаёт звуку мощи, дилэй настраивается на долгую задержку и служит в качестве дополнения к реверберации, расширяя стереокартину. В роли ревербератора Бьёргвин использует плагин Valhalla Room или эмуляцию EMT 140 Plate. Работая вместе, эффекты создают ощущение глубины и пространства у вокала.
Шина 3
Третья шина — источник объёмного звука. На эту дорожку Бьёргвин добавляет компрессию и плагин стереорасширителя (например, Waves S1 Stereo Imager). Сигнал дорожки вокала направляется на эту шину в максимально возможном количестве (голос должен оставаться читаемым). В итоге три шины вместе дают очень богатое и широкое звучание, которое сложно получить при обработке только дорожки вокала.
Расширение звучания и шины
9 Смесь разных видов компрессии
Зачастую звукорежиссеры совмещают несколько компрессоров, используя их параллельно. Решение правильное: зачем ограничивать себя одним компрессором, когда можно использовать всё и сразу? В том же Neutron 2 присутствуют два модуля компрессора — пользователь может использовать их раздельно или вместе, друг за другом или по отдельности, настраивать соотношение исходного и обработанного сигнала для обоих компрессоров. Точно такого же эффекта можно добиться с любыми двумя, тремя компрессорами.
Допустим, вы используете оба компрессора Neutron 2. Активируйте первый модуль в качестве многополосного компрессора в цифровом режиме, а второй — однополосного винтажного компрессора. Настройте первый процессор так, чтобы он выдавал полностью обработанный сигнал и работал с вокальной динамикой. Второй компрессор можно расположить за первым в качестве украшающего инструмента для скомпрессированного сигнала — соотношение Wet/Dry в таком варианте можно выставить на 60/40.
Ритм-секция качает, вокалист звучит кристально чисто, гитары записаны тоже великолепно, а когда дело доходит до сведения всех этих инструментов вместе, что же получается? А получается отвратительный микс. Знакомая ситуация? Если Вы еще не имеете достаточного опыта в сведении музыки, то естественно результат Вашей работы будет Вас огорчать. Вообще, сколько хороших звукорежиссеров есть на свете, наверное столько же существует и правильных способов сведения. И хотя нет никаких аксиом сведения и абсолютных правил, я все же осмелюсь дать Вам 20 советов, которые я вывел в течение многих лет работы звукорежиссером. Я бы не хотел, чтобы Вы считали эти советы неоспоримыми правилами, потому как это скорее рекомендации, и Вы можете отойти от них в любой момент, как только придете к выводу, что уже готовы экспериментировать. Итак, хватит болтовни, приступим непосредственно к делу.
Совет №1.
Все регулировки микшера установите в нулевое положение: обнулите эквалайзер, обнулите все посылы, опустите все фейдеры громкости на всех каналах, в том числе и на тех, которые не собираетесь использовать (а лучше вообще замютируйте неиспользуемые каналы). Все неиспользуемые посылы также отключите. Все эти действия позволят Вам в дальнейшем избежать излишних шумов. Если же этого не сделать, то в процессе сведения Вы вполне можете обнаружить ненужную обработку на какой-нибудь дорожке только из-за того, что забыли отключить посыл. А еще очень полезно перед началом сведения подготовить список Ваших дорожек с привязкой к каналам микшера. Самый простой и годами проверенный способ перенести этот список на микшер – наклеить полосу клейкой бумажной ленты на пульт и уже на этой бумаге подписать каждый канал. После окончания сведения Вы сможете легко снять эту полоску бумаги, не оставив никаких надписей на корпусе самого микшера.
Совет №2.
Отстройте уровни громкости при сведении не только для используемых Вами каналах, но и для всех посылов (send) и возвратов (return) внешних приборов обработки звука. Уровень сигнала, поступающего на вход каждого канала микшера, должен быть максимально велик, но при этом не перегружать канал. Эти несложные процедуры позволят получить после сведения более четкий, прозрачный микс. На сегодняшний день большинство записей после сведения редактируются в цифровом виде, и если Вы планируете поступить точно также, то не стоит вырезать шум в дорожках, который идет в начале и в конце микса. Вы всегда сможете убрать этот шум уже в цифровой студии при помощи подавителя шумов, а для его колибровки понадобится эталонный образец шума.
Совет №3.
При сведении трека в любом музыкальном стиле всегда можно выделить какие-либо инструменты, относящиеся к одной логической группе (ударные, бэк-вокалы, струнная либо духовая секция). Такие инструменты стоит назначить на подгруппы микшера, чтобы иметь возможность быстро и легко регулировать общую громкость всей группы дорожек или уровень накладываемых на них эффектов. Назначение логически связанных инструментов на подгруппы сэкономит Ваше время и сократит количество лишних движений пальцами в процессе сведения. Однако стоит помнить, что эффекты, которые вы хотите назначить на подобные группы инструментов, следует назначать на подгруппу этих инструментов. Иначе при изменении уровня громкости подгруппы уровень обработки будет оставаться неизменным.
Совет №4.
Уровни фейдеров громкости каждого канала стоит пометить, например, цветным маркером, а если Вы планируете изменять уровни громкости во время сведения, то стоит и зафиксировать точное время, на котором будет изменена громкость того или иного канала. Вообще, прослушивая весь микс, лучше не особо следите за уровнями громкости каналов, а больше сконцентрируйтесь на звуковом восприятии и балансе инструментов.
Совет №5.
Не стоит также заблуждаться, что Ваш слух идеален, и слепо ему верить. Ваши уши, как и любые другие части тела, имею свойство уставать. Позвольте Вашему слуху отдохнуть перед тем, как начинать сведение. Помимо этого, не будет лишним регулярно прослушать несколько эталонных коммерческих записей в студийных мониторах, чтобы было с чем сравнить Ваш собственный микс.
Совет №7.
Не стоит разводить по панораме низкие звуки на подобие бас бочки или бас гитары. Низкочастотные звуки лучше всего оставлять по центру звуковой картины. Просто зачастую низкие звуки хорошо распространяются в любом направлении, и панорамирование басов не даст Вам никаких положительных результатов.
Совет №8.
Частотную обработку эквалайзером осуществляйте после того, как сведете весь микс. Дело в том, что по отдельности инструменты звучат совершенно иначе, чем в миксе с остальными инструментами. Чем меньше Вы будете пользоваться эквалайзером, тем натуральнее будет звучать результат сведения.
Совет №9.
Постарайтесь сделать так, чтобы инструменты как можно меньше звучали в одном и том же диапазоне частот. Спектра средних частот это касается в первую очередь. Использованием эквалайзера можно добиться неплохих результатов. Это называется спектральным сведением, когда каждому инструменту выделяется отдельный диапазон частот. Вы когда-нибудь замечали, что в поп-роке акустическая гитара звучит особо чисто? Зачастую такого результата добиваются именно спектральным сведением.
Совет №10.
Но все таки не перестарайтесь с частотной обработкой треков эквалайзером. Через чур инструменты эквализированные зачастую звучат не натурально, особенно, когда эквалайзером задраны высокие частоты. Если же Вам совсем не обойтись без частотной обработки, то советую пользоваться внешними эквалайзерами. Обычно они имеют гораздо больше возможностей и звучат на порядок выше эквалайзера, встроенного на канале Вашего пульта.
Совет №11.
Используя частотную обработку, следует вырезать эквалайзером частоты, а не добавлять их. Это менее вредит миксу, так как слуховой аппарат человека слабее замечает ослабление частот, чем их усиление. Тем более не следует усиливать сигнал в определенном диапазоне частот, если Вы используете в процессе сведения встроенный в пульт эквалайзер или дешевый внешний эквалайзер.
Совет №12.
Крайне полезным будет использования компрессора для выравнивания уровня лид-вокала. Далеко не все вокалисты настолько профессиональны, что уровень громкости их голоса не требует впоследствии динамической обработки. Однако с компрессором тоже не переусердствуйте: компрессия сигнала повышает шум и может через чур усилить шипящие звуки, издаваемые вокалистом.
Совет №13.
Регулярно выходите из студийной комнаты и проверяйте баланс инструментов, прослушивая микс из соседнего помещения. Это позволит Вам услышать дисбаланс инструментов более точно, чем если бы Вы прослушивали микс, сидя непосредственно перед Вашими студийными мониторами. Почему так происходит – никто не знает, но этот прием работает.
Совет №14.
Не сводите микс на высоком уровне общей громкости. На большой громкости всегда кажется, что музыка качает еще сильнее. Но вряд ли рядовой слушатель всегда слушает музыку на предельных уровнях громкости. Помимо этого, большая громкость студийных мониторов может привести к временному изменению ракурса восприятия Вами звуков, или даже к повреждению слухового аппарата. Иногда не помешает проверить, конечно, как сведенный Вами трек звучит на большой громкости, однако большую часть времени я бы советовал Вам работать с музыкой на том уровне громкости, на котором Вы предполагаете, она будет прослушиваться. Если же Вы занимаетесь сведением клубной музыки, предназначенной для воспроизведения на больших танцевальных площадках, то забудьте все, что я Вам сказал о громкости звука!
Совет №15.
Прослушивайте сведенный Вами материал как в наушниках, так и в колонках. Прослушивая микс в наушниках, Вы сможете заметить мелкие искажения и щелчки, которые никогда не воспроизведут динамики колонок. Однако при сведении не стоит полагаться исключительно на наушники. Всем известно, что в наушниках стерео картина звучит совсем иначе, чем в колонках, да и на низких частотах наушники ведут себя совершенно непредсказуемо.
Совет №16.
Не изменяйте уровень громкости барабанов и баса в процессе сведения. В любой композиции ритм-секция является основой, над которой надстраиваются остальные инструменты, и основа эта должна быть ровной. К тому же, вполне достаточно естественной динамики звучания инструментов ритм-секции, так что не стоит лишний раз двигать фейдеры их каналов.
Совет №17.
Уровень громкости среднечастотных инструментов, например, таких, как электрогитары и синтезаторы, старайтесь держать на 2 – 3 дБ ниже громкости лид-вокала. Это значительно повысит прозрачность, читаемость микса. С целью понижения громкости инструментов вполне можно использовать компрессор с коротким временем атаки (attack), установив время восстановления (release) таким, каким посчитаете нужным.
Совет №18.
В случае, когда Вы записываете микс в цифровой студии, не стоит постоянно смотреть на экран монитора и изучать секвенсор в процессе сведения. Визуальная информация отвлекает Вас от слуховой, а это Вам совершенно не нужно. Лучше вообще закройте глаза во время сведения. К тому же, наблюдая секвенсор на экране Вашего монитора, у Вас может сложиться неправильное мнение о качестве аранжировки. По этой причине некоторые звукорежиссеры даже предпочитают аппаратные секвенсоры цифровым программам студиям.
Совет №19.
Если записанный микрофоном инструмент звучит через чур сухо и безжизненно, не торопитесь портить сигнал сильнейшей реверберацией, как в кафедральном соборе. Попробуйте обработать сигнал эффектом комнаты, придающим звуку объемность и ощущение пространства. И помните, что чем меньше установлено время задержки, тем проще добиться звучания инструмента в центре панорамы.
Читайте также: