Как сделать пространство в треке

Обновлено: 07.07.2024

Звукорежиссеры берут действительно стерильные треки и заставляют их звучать естественно с помощью звуковых эффектов Наиболее распространенными инструментами для этого являются задержка / эхо и реверберация, и с некоторыми ноу-хау вы можете настроить свои собственные треки в лучшую сторону.

Все эти эффекты помогают улучшить качество звука, сделать его более глубоким и естественным. Они также используются в качестве эстетических эффектов, и понимание того, как они работают, поможет вам использовать их в полной мере. Вы можете найти их все в меню эффектов Audacity.

Один тройной эффект

Задержка, эхо и реверберация — это разные аспекты одного и того же процесса: повторение звука во времени. Эхо довольно легко понять. Это повторяющаяся итерация звука, которая происходит с уменьшенной громкостью и через короткий промежуток времени. Крики в каньон или в широкое пространство дадут вам эхо. Звуковые волны исходят изо рта, проходят некоторое расстояние, отскакивают от твердой поверхности и возвращаются к ушам через некоторое время. Эхо — это задержка. В терминах редактирования звука, тем не менее, эхо-сигнал рассматривается как определенный тип задержки, который затухает, но воспроизводит звук в противном случае точно. Задержка — это настраиваемая вещь, которая может изменять звук во время каждой итерации.

Тогда у нас есть реверберация. Это происходит, когда эхо-сигналы накапливаются в замкнутом пространстве и вызывают увеличение громкости, которое затем затухает по мере медленного выхода звука. Хороший пример этого — когда вы хлопаете или кричите в комнате среднего размера, когда все двери закрыты. По мере накопления звука возникает всплеск, поэтому ваш первоначальный шум не самый громкий, который он может получить. Затем, после накопления, звук будет издаваться медленно. Вы можете думать об этом как о перекрывающемся эхо, когда вместо полных повторений с задержкой между ними, итерация начинается очень скоро после того, как начинается звук и пока он продолжается.

задержка

В Audacity существует три типа шаблонов задержки: обычная, прыгающая и обратная. Регулярная задержка будет иметь фиксированный период времени между каждым отдельным взаимодействием. Задержка прыгающего мяча начнется во время задержки и будет происходить все быстрее, время уменьшается между каждой итерацией. Задержка обратного прыгающего мяча начнется с быстрых итераций и малого времени задержки, затем постепенно замедлится, пока не достигнет максимума. Этот последний часто используется в обратных эффектах, тема, которую мы рассмотрим в другой статье.

Время задержки (в секундах) — это максимальное время между каждой итерацией.

Изменение высоты тона измеряется в полутонах, и это приведет к смещению высоты тона вверх (или вниз, если значение отрицательное) в каждом последующем эхо-сигнале. Это еще один эффект, часто встречающийся в поп-музыке.

Последнее значение, которое вы можете изменить, — это количество эхо-сигналов, которое вы хотите получить. Имейте в виду, что если у вас не будет достаточно тишины в конце трека, они будут прерваны. Лучше добавить тишину в конце вашего трека, прежде чем добавлять много эхо, и обрезать лишнее после применения эффекта.

Если вы не хотите добавить простое и быстрое эхо, используйте задержку. Этот эффект действительно помогает выделить обертоны в музыкальных треках и помогает добавить ощущение глубины в ваш звук.

Эхо — это эффект быстрого перехода к очень длительной регулярной задержке. Вы можете изменить время задержки и коэффициент затухания, и вы сразу же получите очень длинный эхо от вашего трека. Не забудьте добавить тишину в конце трека, чтобы учесть эхо. Вы можете установить коэффициент затухания в 1 (без затухания), и вы получите цикл; звук будет повторяться со временем задержки, но каждый раз не будет никакого снижения громкости и может продолжаться бесконечно.

Reverb

Время реверберации влияет на продолжительность реверберации от набухания до высвобождения. Если вы сделаете это значение очень маленьким, вы по существу отрежете хвост.

Демпфирование похоже на величину затухания в эффекте задержки. Это зависит от того, насколько будут перекрываться перекрывающиеся итерации. Это в первую очередь влияет на более ранние итерации и хвост, хотя может уменьшить разбухание, если значение слишком велико. Чем ниже значение, тем интенсивнее будет реверберация.

Уровень сухого сигнала по громкости определяет, сколько оригинального звука остается в реверберации. Значение по умолчанию действительно низкое. Если вы хотите мгновенную и жесткую реверберацию, увеличьте значение. Если вы микшируете оригинальную дорожку с другой, в которой добавлена реверберация, оставьте это значение на низком уровне, в противном случае вы получите отсечение, которое разрушает точность звука. Если это все вниз, и вы все еще получаете отсечение, уменьшите амплитуду дорожек, прежде чем применять реверберацию.

Уровень хвоста по объему определяет интенсивность реверберации путем изменения хвостовой части.

Обычно уровень раннего отражения на 15 дБ или выше выше уровня хвоста. Если вы измените его так, чтобы ранний уровень отражения был ниже уровня хвоста, вы создадите иллюзию расстояния между источником и слушателем. Также обратите внимание, что реверберация во многом зависит от стереозвука, поэтому используйте динамики при настройке этого эффекта вместо наушников. Вы также можете разделить стерео дорожки и применить различные настройки для левого и правого каналов. Это создает более четкие каналы.

Реверберация отлично подходит для воспроизведения звука широко открытых и больших закрытых пространств. Вы можете заставить треки звучать так, как будто они исполнялись в глубокой канализации, гигантском соборе или в простом концертном зале, и вы будете влиять на тон, чтобы он звучал более естественно, чем просто добавление очень короткой задержки или эха.

Имитация пространства без фактической записи позволяет легко добавить в ваши треки запутанность и естественность. Он отлично работает и без музыкального звука. Вы можете использовать его в аудио подкасте, например, с тем же эффектом. Есть некоторый опыт работы с этими эффектами? Не стесняйтесь поделиться некоторыми из ваших любимых настроек и их использования в комментариях!

Частоты
Стерео изображение
Громкость

Мы попробуем объяснит, что такое мастеринг в музыке, разницу между сведением и мастерингом, а также покажет вам семь важных шагов к мастерингу трека.

Мастеринг - это процесс оптимизации качества звука финального микса, чтобы он хорошо звучал в самых разных системах воспроизведения звука. Это также включает подготовку мастера к различным каналам сбыта. Мы говорим о дизеринге, частоте дискретизации, форматах файлов и других настройках экспорта, соответствующих выбранному типу распространения.

Вы можете разбить мастеринг на семь шагов. Но у каждого мастеринг-инженера есть свои секреты в рукаве, чтобы дать мастеру индивидуальный подход. Результатом отличного мастера является хорошо сбалансированный трек, который отлично звучит в самых разных звуковых системах и имеет правильный формат.

Несмотря на то, что многие техники сведения и мастеринга одинаковы, это два разных организма, требующих разных подходов.

Сведение музыки:

Обработка отдельных каналов трека
Применение эквалайзера, сжатия и эффектов
Совместное использование всех звуков
Подготовка трека к мастерингу

Мастеринг музыки:

Обработка финальной смеси
Применение эффектов к одному файлу
Делаем законченный трек сбалансированным
Готовим трек к сдачи

Разница между сведением и мастерингом заключается в том, что сведение означает обработку отдельных каналов, в то время как мастеринг обрабатывает полностью один аудиофайл.

Как овладеть музыкой за 7 шагов?

Трек должен пройти семь ступеней. Однако их порядок может отличаться у мастеринг-инженеров. Некоторые также добавляют шаги или используют больше техник для дальнейшего улучшения качества мастера.

1. Восстановление звука

Процесс восстановления звука - это исправление и удаление нежелательных шумов, щелчков в готовом миксе. Когда мы начинаем повышать мастер-уровни с помощью сжатия и настраивать частоту с помощью эквализации, проблемы со звуком могут стать намного более очевидными. Вот почему рекомендуется быстро избавиться от этого.

2. Выравнивание

Эквализация используется для достижения сбалансированного мастер-сигнала и коррекции различных частотных диапазонов. Если низкие частоты подавляют микс, может потребоваться усиление верхних полос.

Кроме того, часто используется субтрактивная коррекция. Это означает удаление резких частот или тех, которые подавляют другие. Смесь редко бывает идеальной. А для достижения отличного баланса с равным количеством мощности на низких и высоких частотах, эквализация превосходна.

3. Улучшение стерео

Улучшение стерео - это процесс применения изменений, отражающих соотношение слева направо в стереодинамиках и наушниках. Поскольку у нас два уха, большая часть нашего прослушивания осуществляется в стереофоническом режиме - с использованием левого и правого динамиков вместе с индивидуальной звуковой информацией.

При мастеринге мы улучшаем стерео, чтобы расширить или сузить определенные частоты. Обычной практикой является удержание низких частот узкими для фокусировки и усиления. Более высокие частоты могут быть шире. Хорошее стерео изображение - ключ к успеху великого мастера. А с улучшением стерео вы можете очень детально изменить каждую полосу ваших частот. Улучшение стерео также связано с тем, чтобы сделать ваше стереоизображение красивым и полным.

4. Сжатие

Управление звуковой динамикой имеет решающее значение для мастеринга. А чтобы добиться баланса громкости, мы используем сжатие.

Сжатие работает для того, чтобы громкость вашего микса оставалась приятной и стабильной. Это уменьшает пики и усиливает части с более низким объемом. Например, если вступление громче, чем хорус, компрессия на мастере увеличит вступление и уменьшит громкость хоруса. Балансировка громкости так же важна при мастеринге, как и балансировка частот и стереоизображения.

5. Громкость

Громкость означает, как наш мозг воспринимает звуковое давление. Как ни странно, есть способы изменить это, не влияя на уровни.

Мастеринг направлен на установку уровней громкости в соответствии с отраслевыми стандартами, часто измеряемыми в LUFS или единицах громкости (относительно) полной шкалы.

Компрессор и лимитер часто используются для управления громкостью мастера. Компрессор уравновешивает динамику для увеличения LUFS. Настройка потолка внутри ограничителя не позволит звуку превысить установленный вами уровень. При мастеринге мы хотим максимальной громкости, не нарушая динамики трека.

6. Последовательность

Последним и заключительным этапом мастеринга является секвенсирование, которое касается установки плавных переходов, затухания и тихих пространств ваших треков.

Мастер полного альбома проходит через более сложный процесс секвенирования, потому что каждый трек должен соответствовать друг другу. В этом случае речь идет о том, чтобы расположить звуковые дорожки в правильном порядке и убедиться, что все они смешиваются. Вам также нужны затухания концовки подходящей длины.

7. Форматирование

В зависимости от того, как вы хотите распространять свою музыку, формат вашего окончательного мастера будет отличаться, включая несколько других настроек. Например, сегодня в большинстве потоковых онлайн-сервисов, таких как iTunes и Spotify, достаточно стандарта мастеринга 16-бит 44,1 КБ в файлах .wav.

Это означает, что вы можете экспортировать треки для потоковой передачи следующим образом:

Формат WAV (Waveform Audio File)
44100 частота дискретизации
16-битная глубина

Bandcamp и SoundCloud немного отличаются, поскольку предлагают варианты загрузки 24-битных треков. Более высокий битрейт также может улучшить преобразование в mp3.

Для Bandcamp и SoundCloud вы можете экспортировать треки в:

Формат WAV
Частота дискретизации 48000 (и выше)
24-битная глубина

Итог:

Теперь вы узнали, что такое мастеринг и в чем разница между сведением и мастерингом. Вы также узнали о семи общих шагах к мастерингу. Помните, ключ - это баланс. Речь идет о том, чтобы взять отличный микс и сделать его еще лучше. Речь идет о балансе громкости и динамики со сжатием, громкостью, частотами и стереозвуком. Отличный мастер звучит на AirPods так же хорошо, как и на высококачественной звуковой системе в клубе.

Поставь лайк этой статье если хочешь еще больше такого контента!

Подписывайтесь на наш канал, а так же ищи нас в телеграмм @soundgrams где еще больше бесплатного материала для музыкантов!

Если будут вопросы, то задавай не стесняйся, я постараюсь ответить.

Прежде чем увлечься сведением сделайте следующее на вашем виртуальном или реальном пульте:

1 Поставьте все фейдеры в средние позиции (не на 0 dB, а именно в средние!)

2 Если есть инструменты, которые плохо слышны – прибавьте их громкость, а громкие сделайте тише. Хотя этого в вашей цифровой студии быть не должно (см. уровни в миксинге ниже). основная задача на том этапе сделать так, что бы все треки играли приблизительно с одинаковой громкостью.

3 Панорама может быть на этом этапе беспорядочной, только Бас, Бочку, рабочий и вокал – их оставить строго в центре!

4 Отключите всю эквализацию и посылы на эффекты

5 Просмотрите содержимое каждого трека, уберите длительные места где инструмент молчит (короткие тоже) – хороший способ избавится от шумов или других артефактов, способных довести до белого каления в поисках их источника, когда вы будете слушать все треки вместе. Иногда этакая операция чревата случайным удалением тихих и (или) коротких аудиофрагментов, – будьте внимательны.

Найдите инструментальные пары (тройки) — кто с кем играет, и кто кого дополняет и от кого зависит – и начните такой просмотр с ударных. Поиграйте с их панорамой и громкостью, ничего, если общую громкость трека придется добавлять. Слушайте два, три, четыре трека, отключив остальные.

Смотрите инструменты, потенциально способные к частотному столкновению и отметьте их в памяти, а лучше на бумаге.

Пометьте участки динамического уменьшения и роста, если таковые соответствуют драматургии задуманного.

*Признаки любительского микса:

8 Теперь снова пересмотрите микс с новой точки зрения. Он может вас либо воодушевить с мыслью, как здорово все ложится и работы с этой песней на каких-то полчаса. Но, микс может вас расстроить предвидением сложности в решении технических, или даже сугубо музыкальных проблем. Это нормальная рабочая ситуация.

До панорамирования инструментов проверьте микс на моносовместимость. Проверьте ее снова, после добавления любых эффектов.

Думайте о миксе в трех измерениях: высота, глубина и ширина. Это означает, что в песне должен быть представлен весь частотный диапазон, показана глубина звуков и инструменты расставлены в пространстве. В свою очередь, частотный диапазон зависит от знания частотного диапазона каждого инструмента и правильного выявления НУЖНЫХ ему частотных групп и скрытия ненужных. Глубина звуков достигается, прежде всего, реверберацией и задержками, во вторую очередь применением хоруса и фленджера. Чистота и ясность звука – вот цели, к которым мы стремимся. Панорамирование — незаменимый прием в их достижении.

Самые главные элементы микса.

Баланс – громкостные соотношения между участниками микса.

Частотный диапазон – грамотное представление нужных человеческому слуху частот.

Панорама – расположение инструментов в стереополе.

Глубина, объем – присутствие чувства пространства микса.

Динамика – общая огибающая громкости микса.

Оригинальность — совокупность и комбинация всех перечисленных элементов, плюс музыкальное своеобразие и присутствие впечатляющих эффектов.

Вот — все, что требуется хорошему миксу.

Уровни в миксе.

Кроме этого помните, изменение амплитуды сигнала на:

3dB — увеличение мощности сигнала (НЕ громкости!) в два раза;
6dB — возрастание напряжения в два раза;
10dB — увеличение мощности сигнала в 10 раз, а громкости звука — в 2 раза;
20dB-возрастание напряжения в 10, мощности — в 100 раз, громкости – вчетверo;
Если о каком-то устройстве известно, что его коэффициент передачи равен 0dB, то это значит, что выходной сигнал в точности равен входному. И ничего более!

Кто может находиться в каждом уровне.

Как вы понимаете, уровни – понятие относительное. Однако, 6 ступеней в громкости микса – количество необходимое и достаточное в его построении.

Непосредственно микширование.

В принципе, все просто, берем каждую дорожку и сопоставляем ее с другими инструментами.

Но важен порядок в этом деле:

* По другим рекомендациям ведущих аудиоинженеров, голос идет после барабанов и баса, согласно мнению других, он стоит предпоследним, перед бэк-вокалом, но я оставил его третьим, и не думаю, что это ошибка. Такое разночтение связано со стилем музыки, которую вам предстоит микшировать. Роковые, блюзовые композиции предпочтительней сводить в приведенном порядке. В танцевальных песнях к обработке вокала можно приступить после перкуссии.

Основные поддерживающие инструменты (клавишные или ритм-гитара)
Лидирующие инструменты (соло, украшения, заставки)
Вспомогательные звуки или инструменты (духовые тутти, эффекты и т.д)
Перкуссия
Бэк-вокалы

Начинаем балансировать микс.

Пад – подушка микса, не вижу смысла представлять.

Ритм – может быть мелодическим или ударным. В отличие от основного ритмического рисунка, этот ритм, как правило, идет в разрез с ним, пульсирует, чаще триольно или синкопировано. Исполнителями этой роли могут быть перкуссия, ритм-гитара, арпеджированные линии синтезатора. Все они вносят динамику в микс, разнообразят и оживляют песню.

Солист – это может быть певец (певица), либо солирующий инструмент.

Заполнения, пригрыши, сбивки – заполняют пространство между солирующим исполнением, противопоставляясь этой линии.

Подробнее о каждом звене микса.

Барабаны

Бас

Пады

Пад, по сути – аккордовая последовательность, сыгранная в средне- и низкочастотном диапазоне. Роль пада может выполнять и ритм-гитара, особенно записанная методом двойного трекинга. Пад – основная музыкальная тональность песни, основа для других инструментов, которые должны ладить с ним. Для аллегорического сравнения, представьте, что вы ходите босиком по пушистому персидскому ковру, а потом кто-то убирает этот ковер… приблизительно так должна звучать песня, лишенная пада.

Пад должен быть прозрачным, не грубым и, местами, не слышаться, а чувствоваться в миксе на фоне других инструментов. Пад является структурной поддержкой песни и он не должен быть назойливым и однообразным.

Для падов, записанных по методу двойного трекинга, тоже нужно немного сблизить каналы, и таким способом дать ему немного больше естественного хоруса.

Если пад записан в моно, пропустите его через стереохорус.

Если в паде у вас участвуют два разноплановых (или одноплановых) тембра (инструмента), попробуйте вместо того, чтобы раскидывать их по каналам, сместить их в центр и пропустить через хороший стереохорус.

Таким образом, пад должен быть широким, но не настолько, чтобы оставить дырку посередине панорамы. Хорус – отличный инструмент в обработке пада, но заметьте, хорус не должен самостоятельно метаться по панораме, тем более беспорядочно. Попробуйте выставить в хорусе небольшую задержку и низкую скорость модуляции и поиграйте с этими параметрами. Кстати, некоторые инструменты, как, например фортепиано не подлежат хорусированию, но если хотите получить расстроенное пианино из американского салуна – дайте ему хорус.

Прибирая в паде уровень 700-800 Hz, практически полностью убирая низа (до ~250 Hz) и используя гладкие кривые в параметрическом эквалайзере, вы можете получить необходимый прозрачный звук. С высокими частотами пада стоит обращаться осторожно, чтобы не затопить ими микс.

Теперь вы получили барабаны, бас, (голос) и пад – все это должно звучать слаженно.

Когда вы проверили пад, то вы оказываетесь в контрольной точке микширования. Именно здесь нужно сделать перерыв и попить чая. Это важное место в процессе сведения. Этот вариант миксинга нужно сохранить, потому, что когда вы пойдете далее, и будете добавлять все остальное, могут возникнуть ошибки, тогда вы будете знать, куда можно вернуться и провести ревизию ваших действий после этого.

Для рабочих станций, базирующихся на PC, стоит сделать отдельный предварительный микс, сбросив туда подготовленные треки – этим вы сэкономите мощность машины и сосредоточите внимание на добавлении других инструментов.

Добавление основных партий.

Роль эквализации при микшировании.

Что может эквализация:

Стандартные приемы в частотной настройке треков.

Последовательность действий при коррекции частот на треке.

Применение эквалайзеров для шумоподавления.

Шумы присутствуют везде, особенно на микрофонном тракте. С целью подавить ненужные низа – применяем Hi-pass фильтр, обрезая все до 60-100 Hz, исключение только при записи бас-гитары с комбика. Убираем шумы высокочастотный компонент – результат влияния на радиопомех на гитары и клавишные инструменты с помощью фильтрации верхов. Вот такой способ: при звучании инструмента (клавиш), выбираем на параграфическом эквалайзере Low-pass фильтр и тянем его от 20 kHz вниз, пока не услышим, как он затронет звук. После этого, тянем назад к верхам, останавливаемся, имея небольшой, безопасный запас от точки воздействия на звук. Это самый простой и эффективный способ.

Тот же маневр можно использовать при работе с потенциальными источниками, каковыми являются и бас-бочка, и низкокачественные датчики электрогитары, бас-гитары, да и электропиано. Как ни странно, но, поверьте — у них нет ничего полезного выше 8 kHz, там только шум. Так, что это все можно смело убирать.

Если это не помогает, используйте шумоподавители Долби или.внутренний, из Adobe Audition.

Эквалайзер как демпфер гармоник.

Обогащение звука.

Повышаете или вырезаете субгармоники, это делает звук более теплым или холодным
Повышаете или вырезаете верхние гармоники – звук становится громче или тише, не затрагивая основную динамику звука.
Повышаете или вырезаете высшие гармоники — звук становится более или менее ярким.

Манипуляции с гармониками редко приводят к чрезмерному выпячиванию инструмента в низах или верхах. Это происходит благодаря тому, что все эти гармоники лежат гораздо выше или ниже основного тона, даже учитывая полный диапазон, в котором играет инструмент. Конечно, если изменение частот лежит на границе основного тона, то эффект более заметен, но вне этой границы можно крутить эквалайзер на полную катушку и добиваться нужного тембра или согласования с другими инструментами. Заметьте, что в большинстве случаев, что чем уже Q, тем меньше вероятность внести явно слышимые изменения в тембре и это особенно полезно для согласования участников микса.

Другое название трудно придумать для этих характеристик микса. Хотя, по большому счету, все они родом из предыдущей темы, там мы касались отдельно взятого звука какого-либо инструмента. Однако микс состоит из многих компонентов. И каждый компонент вносит свою лепту в формирование ненужных нам и нашему слуху артефактов.

Как управлять низами.

установите точку полосы параграфического эквалайзера на 8 10 dB, используя узкий, полуоктавный Q .
пройдитесь через частоты в басовом диапазоне, пока вы не найдете частоту, где звук имеет желательное количество плотности.
корректируйте количество увеличения этой частоты на свой вкус, проверьте какое усиление будет делать звук грязным.
добавьте умеренное количество частоты равной половине найденной, а если эта частота слишком низка (ниже 40 Hz), то удвоенной частоты. (Образец: ваша частота была 120Hz, добавьте пару децибел на 60 Hz, если ваша частота была 50 Hz, добавьте немного на 100 Hz)

Цокание в миксе – это медь, высокочастотные ударные (перкуссия), но это также вокал и его ревербератор. Верхние частоты в миксе – лакмусовая бумага качественного микса. Стальные струны гитар – также вносят свою лепту в строительство верхних этажей микса. Эти верхние этажи требуют пристального внимания, т.к. там расположены частоты, которые могут быть назойливыми для наших ушей и слух быстро устает. Это особенно важно, когда вы работаете над миксом, а не слушаете его как отдыхающий человек – вы можете устать еще быстрее. Поэтому, следите за этим не только на слух, но и при помощи спектроанализатора.

Размещение по глубине микса.

Тема входит в процесс тонкой частотной корректировки.

Создание эффекта пространства в миксе.

В основе этой идеи создания пространства в миксе лежит следующий пример. Если у вас имеется инструмент, который неясно слышен в миксе по каким-то причинам, а выделение его громкостью не дают хорошего звука, то вы ищите группу инструментов, которые своим частотным диапазоном затеняют его. В этой группе вы находите частотную дырку, которую и подрезаете. В результате, громкость у всех практически не изменилась, а наш искомый инструмент становится явнее. Эквалайзер можно применить на подгруппе, а можно это сделать у каждого инструмента в отдельности (если есть парк запасных). Заметьте, применяется вычитательная эквализация. Этот трюк можно с успехом внедрять для создания места для вокала, что сегодня многие и делают.

Автоматическое выравнивание микса.

Мастеринг – финальный этап обработки звука, направленный на конечное доведение отдельного аудио трека, либо нескольких составляющих единый альбом до определенного уровня звучания. В более узком техническом смысле подразумевается обработка, всего звукового сведенного микса на мастер канале. Следует за стадией сведения. К тому же, под данным названием может иметься ввиду приведение разных музыкальных треков на альбоме к общему звучанию, заданному определенным музыкальным стилем либо общей идеей в программе для создания музыки.

Начнем с того, что качественный мастеринг невозможно выполнить без верно сведенного аудио трека. В обратной же ситуации мастеринг поможет довести композицию до должного уровня за счет финальных и важных элементов. В основном данную стадию обработки выполняют с помощью многополосных эквалайзера и компрессора, но это далеко не единственные эффекты обработки, которые могут применяться на данной стадии обработки звука.

Вовремя мастеринг сессии, полезным будет слушать профессиональную музыку тех исполнителей, которые исполняют композиции в том же жанре, в котором делаете вы. Подмечать, что общего в них есть, и стремиться к тому же качественному профессиональному результату. Прослушивать ваши аудио треки на различных уровнях громкости из разных точек пространства, и на разной аудио аппаратуре.

Эквализация – советы по данному этапу мастеринга схожи с теми, которые даны для стадии сведения, но в данном случае обработке подвергается весь аудио трек, а не отдельные инструменты/вокал/звуки. Следует убавлять громкость частотной полосы, а не повышать ее. Уменьшение, либо в некоторых случаях увеличение громкости частот на 5 Дб и выше, скорее всего, означает, что вы допустили ошибку при сведении, стоит вернуться к той стадии обработки. Частоты ниже 20 Гц стоит убрать, человеческий слух не слышит частоты ниже указанной, а вот лишнего шума и грохота в трек они добавят. Стоит использовать плавные кривые частотных полос с большой шириной. Регулярно совершайте перерывы, дабы ваш слух не успевал привыкать к изменению частотного диапазона, что приведет к неверной калибровке этого параметра звука.

Динамическая обработка – применение многополосного компрессора сглаживает пики и провалы громкости в аудио треке и делает звук более плотным, резким или только просто равномерно громким. К тому же позволит поднять общую громкость трека. Инструкции по нему на данном этапе опять же, схожи со стадией сведения, но здесь, вы изменяете динамику не отдельных инструментов, а целого трека, помните об этом.

В многополосном компрессоре установите несколько рабочих зон, например, для низких, средних, высоких частот, и отдельно работайте с каждой полосой независимо. Значения прочих параметров, как правило, стоит устанавливать, скажем, так, в более щадящем режиме, чем при сведении, дабы не перекомпрессировать трек. Регулировать порог компрессии необходимо, до тех пор, пока он не станет выше среднего уровня трека. Обычно после компрессии, громкость звука снижается, поэтому можно немного поднять его на некоторый уровень, но не до 0 Дб, а с некоторым запасом.

Методы применения экспандера и лимитера, те же самые что и для стадии сведения. Экспандер пригодится для удаления лишних шумов, если таковые присутствуют в треке, имейте ввиду, что слишком высокий порог данного эффекта может быть причиной удаления тихих частей трека. Поэтому стоит найти нужный баланс, чтобы точно отбалансировать шум и музыку. Лимитер же поможет вам убрать пики сигнала, настройки эффекта стоит применять с достаточно высоким порогом от 0 до примерно – 5 Дб.

Прочие эффекты – как и упоминалось выше, так же могут быть задействованы на стадии мастеринга.

Реверберация – если вам удалось сделать хорошо этот эффект на отдельных треках во время сведения, то в результате вы имеете связную общую картину. Здесь нет смысла добавлять ревербератор. Однако в некоторых случаях, небольшая реверберация в мастеринге может украсить общую звуковую картину. Порой кажется, что инструменты (и голос) хоть и имеют этот эффект, но звучат как будто в изолированных друг от друга комнатах, а мастеринговый ревербератор поможет им обрести общее звуковое пространство.

Сатурация – или по-другому эффекты возбуждения гармоник, как правило добавляет яркости и звонкости в трек, но стоит аккуратно работать с низкими частотами, дабы не получить в этом диапазоне мутный и нечеткий звук. Стоит держать баланс между высокими частотами при эквализации и сатурацией, дабы не перенасытить указанный диапазон. Добавлять эффект в целом стоит постепенно, с небольшим шагом, иначе звук может стать слишком резким.

В конце цепочки эффектов мастеринга, разумным будет поместить такой эффект как максимайзер. Он позволит окончательно повысить громкость вашего аудио трека, нормализировать ее под значение около 0 Дб (но не выше), и получить более полный, плотный, и объемный звук. Не забудьте сохранять настройки проектов ваших аудио треков при их обработке.

Если вы уверены, что все сделано верно, получен качественный звук мечты, а сама концепция музыки сохранена как было задумано изначально, поздравляю, вы достигли цели! © … и если в этом вам помогла информация, взятая отсюда, то я рад что смог помочь.

Читайте также: