Как сделать правильный баланс громкости

Обновлено: 07.07.2024

Теоретически, сведение музыки должно быть простым: просто настраиваем регуляторы, пока все не зазвучит так, как надо. Однако, хорошего звучания практически невозможно добиться случайно. Сведение – такой же сложный процесс, как игра на музыкальном инструменте. Давайте же попробуем разобраться, что же такое сведение и попробуем как-то структурировать этот процесс. Точка отсчета

Начать сведение трека можно с прослушивания идеально, на ваш взгляд, звучащих, музыкальных примеров, желательно в том же или похожем музыкальном стиле. Фокусируйтесь не на музыке, а именно на сведении. Обратите внимание, что даже в очень плотном миксе вы можете различить партию каждого инструмента, поскольку она находится в своем пространстве. Также обратите внимание на равномерность частотного баланса: высокие частоты должны звучать ярко, но не пронзительно, а бас должен быть убедительным, но не загрязняющим и не маскирующим остальные звуки. Также запомните относительный уровень основных инструментов, таких как ударные и вокал.

Содержание

Сведение на высокой громкости утомительно для ушей. Сведение музыки на низкой громкости позволяет дольше сохранять уши свежими и минимизирует усталость. Самый идеальный вариант – периодически менять уровень громкости при сведении, чтобы лучше представлять, как микс ведет себя на разных громкостях.

Сводить в наушниках может показаться хорошей идеей, так как они избавляют от внешнего шума и хорошо выявляют детали, но лучше прибегать к ним для проверки чистоты звука, а сводить, все-таки, на мониторах. Это связано с тем, что, во-первых, наушники склонны слишком все преувеличивать, а во-вторых, в них сложно адекватно настроить стерео-картину.

Перед тем как приступать к сведению, внимательно изучите аранжировку. Поймите, какие места могут быть проблемными, какие нужно подчеркнуть, что в этой композиции главное, что второстепенное, и так далее. Не будет лишним составить что-то вроде “списка что необходимо сделать”.

Давайте же рассмотрим эти двенадцать шагов:

1. Ментальная подготовка

Процесс сведения может быть долгим, поэтому подготовьте для себя удобное рабочее место. Если у вас нет хорошего компьютерного стула с поддержкой спины – купите его, здоровье дороже. Приготовьте лист бумаги для заметок. Приглушите свет, чтобы вниманию было проще сосредоточиться на звуке. Не курите марихуану в процессе сведения и перед ним. Делайте перерывы (каждые 45 – 60 минут), чтобы дать ушам отдохнуть. Это может показаться роскошью, если вам платят за студийное время, однако, даже пара минут отдыха восстановит объективность вашего восприятия, и, в результате, на весь процесс сведения уйдет меньше времени, как ни парадоксально это звучит.

2. Организация треков

Подпишите все треки и каналы (не важно, в софте вы сводите или на железном микшерном пульте). Организуйте и упорядочите их логически. Это сэкономит массу времени и сделает процесс сведения более комфортным. Если треков много, правильность и удобство группировки – это критически важный этап.

3. Наденьте наушники и удалите щелчки

Удаление щелчков требует активности левого полушария мозга, в то время как творческий процесс сведения – это работа правого полушария. Смешивание этих процессов может препятствовать творческой активности, поэтому всю рутинную работу лучше выполнить сразу, чтобы потом не возвращаться к ней. Кстати, эту часть работы как раз лучше выполнять в наушниках. Также есть смысл понизить шум на тех дорожках, где это реально. Артефакты звукового тракта могут показаться незначительными на отдельных треках, однако в сумме они могут стать заметными, что не есть хорошо.

4. Оптимизируйте все источники звука

Если в вашем треке используются синтезаторы, постарайтесь настроить их звучание на как можно более раннем этапе. К примеру, не стоит подключать внешние эквалайзеры, если достаточно подкрутить filter cutoff.

5. Баланс громкостей

Не надо добавлять никаких эффектов и обработки, пока не настроен общий приблизительный баланс громкостей – не позвольте левому полушарию помешать творческому процессу! Попробуйте включить моно режима для всех треков. Если инструменты звучат хорошо сбалансировано в моно – в стерео они только выиграют. Также, если вы будете сразу работать в стерео, вы можете не заметить частотные и громкостные конфликты между инструментами.

6. Настройка эквалайзеров

7. Основная обработка

8. Стерео картина

Теперь пришло время расставить инструменты в стерео поле. Тут может иметь место как традиционный подход (основанный на реальном расположении инструментов во время концерта), так и что-то радикальное. Панорамируйте сигналы аккуратно, избегайте крайних положений регулятора панорамы. Бочку и бас оставьте в центре: в низких частотах содержится максимум энергии, поэтому ее нужно распределить равномерно. При панорамировании остальных инструментов следите за балансом. Если что-то оказалось справа, значит, что-то другое должно оказаться слева.

9. Финальная коррекция аранжировки

Постарайтесь минимизировать количество соревнующихся инструментов, чтобы держать внимание слушателя сфокусированным. Вы можете очень гордиться каким-нибудь звуковым эффектом, но, если он не является необходимым в конкретной композиции, избавьтесь от него. И наоборот, если кажется, что чего-то не хватает, постарайтесь восполнить пробелы. Не стоит восхищаться своей работой, пока она не закончена. Постарайтесь быть максимально объективным.

10. Добавляем глубину

Теперь, когда все ваши инструменты нашли свое место в стерео картине, пришло время добавить третье измерение – глубину. Начинайте аккуратно добавлять к звукам задержки и реверберацию. Избегайте многопространственности (особенно при сведении живой музыки). Кроме того, не пытайтесь улучшить звук при помощи реверберации: лучше вернуться назад и подкрутить настройки синтезатора или эквалайзера.

11. Тонкая настройка

Теперь, когда все в целом звучит готово, перепроверьте настройки всех каналов: громкость, настройки эквалайзеров, эффектов, и внесите необходимые корректировки. Не перестарайтесь – музыка далеко не всегда выигрывает от стерильности звучания, а также, не стоит вносить изменения, которые не заметит никто, кроме вас.

12. Проверяйте свой микс на разных аудиосистемах

Грамотная работа с балансом требует наличия хороших контрольных мониторов с хорошим динамическим и ровным частотным диапазоном.

Многие бюджетные мониторы не способны воспроизводить все частоты ниже определенного уровня громкости. Обусловлено это недостатками их конструкции.

Результатом может быть более громкое или более тихое, по сравнению с вашими планами, звучание отдельных инструментов после сведения.

Несколько правил выстраивания баланса инструментов

1. Установите нулевые значения панорамы. Старайтесь работать с балансом в моно. Стереодорожки, гитарные дабл-треки и бэк-вокал разведите пока по краям. Размещение их в центре чревато появлением проблем с фазой.

2. Время от времени меняйте громкость. Стремитесь к тому, чтобы соотношения инструментов по уровню на большой и на малой громкости были примерно одинаковыми. Исчезновение какого-либо инструмента на малой громкости свидетельствует о том, что он вне баланса.

4. Большая часть жанров требует одинакового уровня громкости баса и бочки.

5. Малый барабан — весьма громкий инструмент, дающий высокие пики в финальном миксе. Даже в электронных жанрах, где основой ритм-секции является бочка, малый барабан, как правило, бьет на вторую и четвертую доли вместе с бочкой, усиливая тем самым акценты и увеличивая пиковый уровень фонограммы.

Бывает, после выстраивания баланса инструментов оказывается, что малый барабан порождает клиппинг. В результате нужно убавлять по уровню или весь микс, или непосредственно малый барабан.

В первом случае теряется RMS, во втором — наблюдается проваленный малый барабан.

Во избежание появления подобных проблем попробуйте выстраивать баланс с малого барабана. С этой целью установите самый высокий уровень его громкости, а другие инструменты делайте тише до тех пор, пока звучание не станет сбалансированным.

6. Устанавливайте громкость проигрышей, соло и прочих солирующих звуков субъективно на том же уровне, на котором находится громкость вокала.

7. Звук, присутствующий на протяжении всей композиции, можно в самом начале установить на нормальном уровне громкости, а затем сделать тише, отодвинув на задний план.

Человеческий слух имеет способность приспосабливаться. Он улавливает и запоминает звуки, что позволяет мозгу даже при низких значениях громкости воспринимать и идентифицировать их в дальнейшем.

Для реализации данного приема используйте автоматизацию. Если будет нужно, в определенных местах снова повысьте громкость этого звука. Этот прием позволит вам в разные моменты звучания демонстрировать разные тембры и партии, по очереди то, выводя их на передний план, то уводя на задний. Слушатели смогут оценить все звуки по отдельности в не загроможденном большим количеством инструментов миксе.

С каждым миксом к нам приходит все больше понимания и чувства того, что мы делаем. Все меньше ручек крутится наугад, процесс микширования становится намного лучше спланированным.

Но подбор уровней дорожек – это даже не полдела. Микс должен быть хорошо сбалансирован, но при этом не звучать скучно. Если не акцентировать внимание на самом интересном элементе аранжировки или части произведения, то трек впоследствии совсем не будет привлекать внимание слушателя.

Если говорить о тональном балансе, то восприятие и получаемые ощущения от прослушивания микса могут кардинально меняться в зависимости от переизбытка или недостатка тех или иных частот. Например, если в миксе избыток высоких, то такой микс называется ярким. Если же наоборот, высоких частот мало – темным или тусклым. В зависимости от количества низких частот, микс может быть толстым или массивным, в случае с большим количеством баса, или тонким в обратной ситуации.

Тональный баланс – важный инструмент, с помощью которого мы можем регулировать восприятие микса слушателем.

Хороший микс - тонально сбалансированный микс

Тональный баланс микса напрямую зависит от подбора инструментов, семплов и остальных звуков еще на этапе аранжировки. Нужно четко понимать, какой инструмент за что отвечает.

Например, если это припев песни, то пригодятся инструменты, которые заполнят микс по всему спектру. Для верхов нужны яркие тарелки, в средних частотах гитары, скрипки, малый барабан и перкуссия. И в зависимости от приоритетности инструмента нужно подбирать звучание менее приоритетных элементов аранжировки. Например, если важно, чтобы перкуссия звучала ярко и громко, партию гитары и ее звучание нужно подбирать так, чтобы она не конфликтовала с фундаментальными частотами снэйра.

Микс имеет хороший тональный баланс, когда существует связь между тоном каждого элемента в миксе. Общий микс должен иметь звук, который продуман до мелочей, является сплоченным и целенаправленным.

Например, если звучание крэша яркое, тогда и хай-хет должен быть ярким. Если басбочка имеет много низких частот, то и все низкочастотные элементы также должны иметь достаточное количество баса. Если ведущий вокал темный – с отфильтрованными высокими частотами, тогда и бэк-вокал должен иметь подобные характеристики.

Также нужно понимать, что если у вас очень яркие тарелки, то вокал уже не может быть темным, потому что в таком случае он не будет восприниматься как главный элемент аранжировки.

Использование референса

Один из первых шагов в начале настройки тонального баланса - это выбор фундаментального звука и настройка его уровня. Для этого вам поможет референсный трек в стиле вашего произведения или подобном. В основном таким звуком является басбочка, потому что это звук, который звучит на протяжении всего трека и является в большинстве случаев стабильным по громкости.

Следующий шаг – это настройка громкости остальных звуков под громкость фундаментального звука. В случае с басбочкой это будет малый барабан, потом тарелки и т.д.

Рекомендуем работать в группах. Не переходите к сведению остальных элементов, пока вам не будет полностью нравиться звучание первой группы. После этого намного проще будет сводить всю барабанную установку с гитарами, чем каждый отдельный барабан с каждым инструментом.

Подход, при котором сведение начинается со сведения ритм секции, также хорош тем, что эти звуки сильно насыщены энергией. На измерителе громкости их уровни часто выше, чем у других дорожек. Поэтому установка громкости этих элементов снижает риск получить завышенный уровень громкости на мастер шине после завершения работы.

Еще один подход – начинать с лидирующего вокала и строить весь микс вокруг него. Конечно, если вы сводите инструментальную музыку, нужно определить солирующий инструмент и отталкиваться от него.

Использование розового шума в качестве референса

Последний подход не является столь популярным, но, как показал опыт, быстр и надежен. Заключается он в том, что вместо фундаментальной дорожки используется розовый шум. Это звучит странно, но этот метод проверен и используется многими звукорежиссерами. Давайте же разберемся, что делает розовый шум таким особенным.

Частотная характеристика слуховой системы человека логарифмическая, а не линейная. Мы воспринимаем увеличение звука как октавы. Каждая последующая октава охватывает в два раза больше герц, чем предыдущая.

Белый шум имеет постоянную энергию по всему спектру частот, но нам кажется, что происходит увеличение уровня громкости на 3 дБ на октаву. Если же отфильтровать белый шум так, чтобы от терял по 3 дБ на октаву, поднимаясь по частотам, то получится более привычное и приятное для человеческого слуха распределение энергии. Все октавы содержат идентичное количество энергии, поэтому звучание ощущается более сбалансированным. Таким образом мы и получили розовый шум для нашего микса.

Для использования данного подхода нам нужно установить громкость розового шума (не важно, это генератор или семпл) так, чтобы измерители показывали рабочий средний уровень громкости. После этого параллельно с шумом запускаете первую дорожку и регулируете ее громкость на слух. Старайтесь найти уровень, при котором настраиваемый звук будет едва слышен сквозь шум, но не заглушен полностью. После этого отключаете настраиваемую дорожку и включаете следующую. Повторяйте эти действия, пока не отстроите все элементы вашего микса.

Вы можете столкнуться с тем, что определенные типы звуков будут прорезать розовый шум лучше, другие – хуже. Поэтому придется обращать внимание на звуковые характеристики звуков. Чаще всего такая проблема возникает с низкочастотными звуками. Например, часто кажется, что басбочка перекрывается шумом, хотя мы ее слышим отчетливо. Вам будет хотеться повысить уровень басбочки, но боритесь с этим искушением. Подобная проблема случается и с высокочастотными звуками: тарелками, перкуссией и т.д. Сводите эти дорожки с особой осторожностью, и с практикой это станет инстинктивным.

Кроме того, проблема может возникнуть с сильно динамичными звуками. Например, при микшировании вокала с розовым шумом некоторые части слов и фраз могут быть слышны, а другие – нет. В таком случае сосредоточьте слух не на атаке фразы вокала, где легче обнаружить согласные яркие звуки, а на фразе целиком. Также, может быть, вокал был недостаточно скомпрессирован на предыдущем этапе. Вокал – важный элемент аранжировки и он не должен проваливаться в миксе ни на секунду.

Конечно же, вы не получите идеальный микс на выходе. Некоторые корректировки вам еще придется внести в зависимости от стилистики песни и предпочтений исполнителя, но у вас есть прочный фундамент, и радикальные меры вам уже точно не понадобятся.

По сути, розовый шум чем-то напоминает своими характеристиками шумную улицу или метро, то есть места, где вы будете слушать музыку в наушниках. И важно, чтобы даже в таких шумных местах был слышен весь микс, а не только отдельные элементы. Даже если вам не понравится данный подход, то вы отлично потренируете свой слух, и в следующий раз вам уже понадобится намного меньше времени, чтобы сделать качественный микс.

Если же у вас уже есть композиции, за использование которых вы хотите получать вознаграждение, то ждем вас на портале ExpertMusic. Мы предоставляем контент для музыкального оформления заведений: магазинов, ресторанов, кафе и торговых центров; и для направления продакшн: реклама, фильмы, Youtube-видео, игры и т.д.

Желаем вам сбалансированных миксов,
Команда ExpertMusic.

Несмотря на то, что в сведении всегда есть поле для творческих экспериментов, существуют общепринятые правила и техники, с которыми стоит ознакомиться прежде чем начинать нарабатывать свой собственный стиль сведения.

Панорамируйте бочку и бас в центр, и оставляйте их относительно сухими. Эти элементы являются основой и собирают вокруг себя все остальные, поэтому с них хорошо начинать работу по сведению.
Размещайте малый барабан (snare drum) в центре, а затем панорамируйте остальные ударные. Однако, избегайте слишком сильного панорамирования, довольно жутко себе представить, как руки барабанщика растягиваются по всему стерео-пространству. Тем не менее, крайние варианты панорамирования хорошо работают для нектороых перкуссий, типа тамбуринов, шейкеров и т.д.
Аккуратно выбирайте время спада реверберации на барабанах и перкуссиях; если оно будет слишком большим, легко потерять ритмический драйв, к тому же, реверберация заполняет пространство между звуками, и психоакустически понижает громкость.
Настраивайте остальные инструменты на подходящие уровни громкости, и, если они хорошо и сбалансировано звучат в моно, разделяйте их при помощи панорамирования. Следите за общим стерео-балансом, как ушами, так и при помощи измерительных приборов.
Ведущий вокал должен быть в центре и достаточно близко, спереди. Если вокал слишком громкий, он будет выбиваться, если слишком тихий – потеряет разборчивость. Полезно слушать микс из соседней комнаты, особенно при отстройке вокала.
Некоторые инструменты, особенно человеческий голос, часто требуют изменения громкости в процессе развития композиции, чтобы сохранять соответствующую динамику. Подходящий мягкий компрессор сделает эту работу гораздо проще, а также часто может помочь сделать вокал более ярким и выдающимся. Однако, не переусердствуйте с компрессором (если только вы специально не хотите добиться такого эффекта).
Используйте реверберацию так, чтобы она тонально соответствовала вокалу, и помните – отношение прямого сигнала к обработанному имеет четкую связь с воспринимаемой интимностью, или, напротив, дистанцией от исполнителя.

Распространенные ошибки при сведении

Вот краткий список вещей, которые не стоит делать при сведении:

Не сводите когда вы устали после 14-часовой записи
Не пытайтесь достичь баланса, постепенно поднимая громкость, вы закончите нехваткой запаса по громкости и искажениями.
Не пытайтесь сделать каждую часть большой и впечатляющей, иначе ваш микс будет звучать как звуковое соревнование. Примите, что некоторые части должны быть спереди, а некоторые – в фоне.
Не забудьте убедиться, что микс звучит хорошо в моно, перед тем как начнете настраивать панораму.
Не стоить производить мониторинг на постоянно повышающейся громкости, это ослабляет чувствительность и быстро утомляет. Более того, это может повредить ваши уши, и ослабить восприятие звука на продолжительное время.
Не забывайте проверять каждый сигнал в отднльности на наличие шума или искажений. Настройте ваш микшер и цепи эффектов перед началом сведениея. (Если речь идет о аналоговом сведении, с цифровым всё несколько проще).
Не топите микс в своем любимом эффекте. Большинство лучших примеров сведения демонстриуют очень аккуратное применение эффектов.
Не пытайтесь достичь лучшего разделения инструментов, повышая эквалайзером уровень определенных частот на каждом инструменте – итоговый результат будет звучать грязно и неестественно. Если используете эквалайзер – вырезайте, а не добавляйте.
Не соблюдайте правила, если нарушив их вы можете сделать микс лучше!

Сведение – это не только искусство, но и ключевой этап, который превращает набор дорожек в законченное музыкальное произведение. Хороший микс поможет выявить в музыке все самое лучшее – подчеркнуть наиболее важные элементы композиции, добавить какие-нибудь сюрпризы, чтобы порадовать слушателя, а также, хороший микс будет прилично звучать на любом оборудовании, от моно радиоприемника до безумного аудиофильского комплекта аппаратуры.

Теоретически, сведение музыки должно быть простым: просто настраиваем регуляторы, пока все не зазвучит так, как надо. Однако, хорошего звучания практически невозможно добиться случайно. Сведение – такой же сложный процесс, как игра на музыкальном инструменте. Давайте же попробуем разобраться, что же такое сведение и попробуем как-то структурировать этот процесс.

Точка отсчета

Уровень мониторинга

Аранжировка

Сведение музыки: инструкция в 12 шагов

Давайте же рассмотрим эти двенадцать шагов.

1. Ментальная подготовка

Делайте перерывы (каждые 45 – 60 минут), чтобы дать ушам отдохнуть. Это может показаться роскошью, если вам платят за студийное время, однако, даже пара минут отдыха восстановит объективность вашего восприятия, и, в результате, на весь процесс сведения уйдет меньше времени, как ни парадоксально это звучит.

2. Организация треков

3. Наденьте наушники и удалите щелчки

Также есть смысл понизить шум на тех дорожках, где это реально. Артефакты звукового тракта могут показаться незначительными на отдельных треках, однако в сумме они могут стать заметными, что не есть хорошо.

4. Оптимизируйте все источники звука.

5. Баланс громкостей

6. Настройка эквалайзеров

Эквалайзеры могут помочь подчеркнуть различия между инструментам и улучшить звуковой баланс. В первую очередь поработайте с наиболее важными элементами микса (вокал, ударные, бас), и, когда они будут хорошо звучать вместе, переходите ко второстепенным вещам.

Частотный диапазон ограничен, и в идеале, каждый инструмент должен найти свою частотную нишу, чтобы при сочетании с остальными инструментами стать частью полного звукового спектра.

Одна из причин, по которой лучше начинать сведение с барабанов, заключается в том, что ударные инструменты занимают значительную часть частотного диапазона, от бочки до тарелок и перкуссий. Когда все ударные инструменты правильно настроены, с остальными становится значительно проще разобраться.

Думайте о композиции как о спектре, и планируйте, какой звук вы хотите куда посадить. Иногда есть смысл использовать анализатор спектра, однако не забывайте, что основной ваш инструмент при сведении – это уши, а не глаза.

Если вы очень хотите подчеркнуть какой-то звук – попробуйте слегка приподнять его в районе от 1 до 3 КГц. Если хотите отодвинуть звук подальше – понизьте высокие частоты на соответствующей дорожке. Также есть смысл вырезать либо понижать низкие частоты инструментов, в которых они не нужны, чтобы освободить место для баса и бочки.

7. Основная обработка

8. Стерео картина

Бочку и бас оставьте в центре: в низких частотах содержится максимум энергии, поэтому ее нужно распределить равномерно. При панорамировании остальных инструментов следите за балансом. Если что-то оказалось справа, значит, что-то другое должно оказаться слева.

9. Финальная коррекция аранжировки

10. Добавляем глубину

11. Тонкая настройка

12. Проверяйте свой микс на разных аудиосистемах

Находим частоты для сведения, подчеркиваем сильные стороны голоса, добавляем объём и устраняем частые проблемы.

Сведение вокала — кропотливый процесс для самых терпеливых. Повернули ручку эквалайзера слишком сильно — голос потерял характер, недокрутили — стал мешать другим инструментам, навалили компрессии — вокал выбился из микса и стал звучать как-то чужеродно. Специально для тех, кто взялся за обработку вокала, компания iZotope опубликовала в своём блоге заметку о сведении голоса с помощью плагина Neutron 2. Из этого материала вы узнаете, в каких частотах живёт вокал, как подчеркнуть сильные стороны любого голоса, избавиться от сибилянтов и устранить частые проблемы дорожек вокала.

Иногда непонятно, что нужно сделать с вокалом, чтобы он звучал отлично. Сведение превращается в утомительное тасование эквалайзеров, лимитеров, компрессоров и ещё десятка процессоров. Мы не знаем, какие проблемы с голосом в ваших миксах, но предлагаем девять советов по сведению вокала.

Все эти советы не имеют смысла, если вокал сам по себе записан плохо. Чтобы избежать ошибок при записи, обратитесь к нашему гайду по записи вокала в домашних условиях и списку распространенных проблем.

Другие материалы серии

1 Частотные диапазоны вокала

Вокал — штука индивидуальная, каждый голос звучит по-своему. Многое здесь зависит от тембра голоса и доступного вокалисту диапазона. Несмотря на это, существуют несколько диапазонов, по которым нужно пройтись, взявшись за сведение вокала.

В районе низких частот голос зачастую фильтруется выборочно и аккуратно, а большинство проблем с низом и гулом можно решить самим микрофоном. Во время записи активируйте переключатель низкочастотного обрезного фильтра — это устранить неприятный них ещё на этапе записи. Обычно системы фильтрации, установленные в микрофонах, обрезают сигнал в районе 75 Гц, устраняя только основные проблемы.

Дальнейшие проблемы с низом можно устранить уже в DAW — в зависимости от голоса можно фильтровать вокал до ±100 Гц. Полагайтесь на слух: если голос сам по себе ярко выражен в нижнем диапазоне частот и после обрезки потерял характер — ослабляйте фильтр. Женский вокал можно отфильтровать ещё сильнее.

Если голос вокалиста по характеру напоминает томный вокал а-ля Леонард Коэн или Барри Уайт, не увлекайтесь с фильтрацией. Такому типу голоса нужно больше низких частот.

Полнота и объем в районе 150 Гц

Пластиковость и пустота в районе до 500 Гц

Если вокальный трек страдает от нехватки объёма и пластиковости (коробковитости) звучания, исследуйте зону до 500 Гц. Если в этом пределе проблема не обнаружится, поднимайтесь выше до 800 Гц.

При обрезке всегда используйте очень узкую Q (форму кривой эквализации). Причина такого проста: точечное устранение проблем. Слишком широкая кривая может случайно отрезать лишнее в соседних диапазонах, что лишит голос естественности.

Нозальность в районе 1 кГц

Присутствие в районе 5 кГц

Если вокал не может пробиться через микс, добавьте присутствия в районе 5 кГц. Усиление этой зоны немного выдвинет вокал на передний план и поможет голосу найти свое место на фоне других инструментов.

Резкость, шипение и сибилянты в районе 7 кГц

Пение некоторых вокалистов отличается большим количеством сибилянтов — шипящих и свистящих призвуков на буквах С, Ш, Ж, З, Щ. Из-за того, что в этих звуках слишком много динамики и атаки, они режут слух. Когда певец подходит слишком близко к микрофону, это естественным образом усиливает низкие частоты и сибилянты. По той причине, что вокалисты никогда не стоят на месте при записи и постоянно двигаются, даже самые крутые дубли местами заплывают низом и резкими звуками.

Про низ мы уже говорили, а что касается сибилянтов, то в мужском голосе они живут в диапазоне от 3 до 7 кГц, в женском — от 5 до 9 кГц. Найти точные места можно только опытным путем, но искать нужно именно в этих пределах. Для начала ослабьте зону в районе 7 кГц — так подобные звуки станут менее чёткими и перестанут бесконтрольно вырываться вперёд. Устранить такие звуки можно также с помощью де-эссера или компрессора, настроенных на зону сибилянтов.

Частотные диапазоны всех инструментов

2 Использование Track Assistant в продуктах iZotope

Обычно на дорожке вокала висит эквалайзер, пару компрессоров, гейт, де-эссер и что-нибудь ещё. Если вы новичок и не большой мастер обработки сигнала, попробуйте плагины от iZotope, например, iZotope Neutron 2. Такой ход удобен по двум причинам.

Во-первых, в его составе присутствуют модули эквалайзера, компрессора и других эффектов — можно заменить пачку плагинов одним. Во-вторых, в Neutron добавлена отличная штука — Track Assistant. Умный помощник автоматически анализирует поступающий с дорожки сигнал и подбирает модули и настройки так, чтобы улучшить аудио.

Что хорошо: Track Assistant не тиран и довольно сговорчивый парень. Не понравилось то, что выбрал искусственный интеллект — уберите модули или измените их настройки. При этом по Track Assistant можно увидеть существующие проблемы записанного вокала — удобно для начинающих, которые только разбираются в сведении.

3 Добавление лампового налёта, чтобы помочь вокалу пробиться через микс

Ламповые микрофоны, усилители и компрессоры популярны по той причине, что добавляют любому сигналу приятные гармонические искажения. В составе все того же iZotope Neutron 2 присутствует модуль Exciter с X-Y-регулятором. Перемещая указатель по панели, можно получить лампоподобные искажения или небольшой налёт винтажной сатурации (или и то, и другое сразу).

Управление модулем эксайтера довольно простое: регулятор Drive отвечает за количество обработки, Blend за соотношение исходного и обработанного сигнала, X-Y за соотношение типов искажения. В дополнение к ним предусмотрены три режима пре: Full, Defined, Clear. В зависимости от выбора, эксайтер изменит частоты в районе нижней середины (полнота и мясо вокала, о которых мы говорили) или верхней середины (присутствие).

4 Устранение предыханий и фонового шума

Когда певец стоит в вокальной комнате, микс в наушниках может просачиваться сквозь амбюшуры и чашки, и захватываться микрофоном. Иногда вы ничего не можете с этим сделать: все зависит от того, как громко играет микс, как близко стоит вокалист к микрофону, какие наушники используются. Всё, что вам остаётся в такой ситуации — вырезать все регионы, где вместо тишины слышны отголоски микса.

Если убрать такие моменты не получается, нужно понизить их уровень так, чтобы они не были заметны. С этим справится гейт. В том же iZotope Neutron 2 модуль гейта можно гибко настроить, указав ему разный порог срабатывания для тех мест, где вокалист молчит и где поёт.

В отличие от большинства гейтов, модуль гейта в Neutron 2 очень наглядный: в интерфейсе отражается вся дорожка в мельчайших подробностях и специальная линия порога срабатывания. Линия работает аналогично кривым автоматизации — можно настроить работу гейта хоть посекундно.

5 АЧХ микрофона как подсказка при сведении

Когда музыканты берутся за сведение вокала, то не всегда знают с чего начать и что именно нужно сделать с голосовой дорожкой. На самом деле все несколько проще: если не брать в расчёт особенности голоса, то многое о дальнейших действиях подскажет сам микрофон и его АЧХ.

Возьмём для примера популярный Shure SM57. Этот микрофон отличает немного шипящее звучание из-за мощного подъёма в верхней середине, в пределах 3-7 кГц. Буст в верхней середине пригодится на концертах, когда вокалу важно пробиться через плотный живой микс. Усиление в районе 5 кГц — настоящий подарок для вокалиста и звукорежиссера, так как голос отчётливо будет слышен в мониторах.

Посмотрев на АЧХ микрофона и зная вокал певца, можно уверенно ослаблять диапазон 3-7 кГц, чтобы обуздать верхнюю середину. Несмотря на то, что частоты в этих пределах обычно принято усиливать, чтобы голос пробился сквозь микс, в случае с резким вокалом и SM57 такое решение только навредит проекту.

Вывод простой: прежде чем делать сведение вокала, изучите АЧХ микрофона, которым записывали голос. Это даст множество полезных подсказок, с чего начать работу.

6 Раскрытие бэк-вокала

Суть функции похожа на сайдчейн. Звукорежиссер указывает эквалайзеру на вторую дорожку бэк-вокала, плагин балансирует настройки так, чтобы оба сигнала было отчётливо слышно. Если на дорожках основного и бэк-вокала висит по копии Neutron, то эквалайзер может даже показать проблемные места, в которых происходит маскировка и нежелательное слияние сигналов.

7 Эквализация перед компрессией

Разработчики мультиэффектов и комплексных инструментов обработки знают об этом — в большинстве пресетов эквалайзер всегда будет стоять перед компрессором. Помните, что задача эквалайзера — скорректировать сигнал, а компрессора — украсить его.

8 Расширение звучания вокала и искусственный бэк-вокал

Чтобы добиться очень объёмного и широкого звучания вокала, можно воспользоваться приёмом Бьёргвина Бенедиктссона. Работая с голосом, Бенедиктссон создаёт три шины для вокала, каждая из которых по-своему обрабатывает голос.

Шина 1

Шина для дабл-трека (дублирующая шина). На эту шину помещаются дилэй, а также плагины Waves Doubler и/или Waves ADT Reel To Reel. Задача этой шины — создать ощущение дабл-трека. Пригодится, если у вас нет возможности записать бэки или продублировать основную линию голоса. Очень короткий дилэй здесь служит лайфхаком, расширяющим звучание.

Внутри стереодилэя выставите соотношение каналов так, чтобы слева задержка составляла 21 мс, а справа — 29 мс. С помощью питчшифтера повысьте или понизьте вокал примерно на 10 центов. Звучание должно быть естественным и похожим на обыкновенный бэк-вокал.

Шина 2

Шина для дополнительной реверберации. Работает, которая работает параллельно основной шине реверберации для инструментов. Разница в том, что реверберация для инструментов склеивает элементы микса между собой, а реверберация для вокала помогает найти идеальное звучание голосу.

На самой шине Бенедиктссон помещает компрессор, стереодилэй и ревербератор. Компрессия дополнительно сжимает сигнал и придаёт звуку мощи, дилэй настраивается на долгую задержку и служит в качестве дополнения к реверберации, расширяя стереокартину. В роли ревербератора Бьёргвин использует плагин Valhalla Room или эмуляцию EMT 140 Plate. Работая вместе, эффекты создают ощущение глубины и пространства у вокала.

Шина 3

Третья шина — источник объёмного звука. На эту дорожку Бьёргвин добавляет компрессию и плагин стереорасширителя (например, Waves S1 Stereo Imager). Сигнал дорожки вокала направляется на эту шину в максимально возможном количестве (голос должен оставаться читаемым). В итоге три шины вместе дают очень богатое и широкое звучание, которое сложно получить при обработке только дорожки вокала.

Расширение звучания и шины

9 Смесь разных видов компрессии

Зачастую звукорежиссеры совмещают несколько компрессоров, используя их параллельно. Решение правильное: зачем ограничивать себя одним компрессором, когда можно использовать всё и сразу? В том же Neutron 2 присутствуют два модуля компрессора — пользователь может использовать их раздельно или вместе, друг за другом или по отдельности, настраивать соотношение исходного и обработанного сигнала для обоих компрессоров. Точно такого же эффекта можно добиться с любыми двумя, тремя компрессорами.

Допустим, вы используете оба компрессора Neutron 2. Активируйте первый модуль в качестве многополосного компрессора в цифровом режиме, а второй — однополосного винтажного компрессора. Настройте первый процессор так, чтобы он выдавал полностью обработанный сигнал и работал с вокальной динамикой. Второй компрессор можно расположить за первым в качестве украшающего инструмента для скомпрессированного сигнала — соотношение Wet/Dry в таком варианте можно выставить на 60/40.

Читайте также: