Как сделать капли на картине маслом

Обновлено: 07.07.2024

Что это такое?

Марблинг – это способ создания рисунков при использовании специальных нерастворимых красок и воды. Ход работы настолько завораживает, что творцу становится важен именно процесс, а не конечный результат. Итоговый продукт нельзя заранее спланировать, этим марблинг и отличается от других направлений в искусстве. Конечный результат имитирует текстуру мрамора, именно поэтому данное направление иногда называют мраморным рисованием.

Как выглядит процесс рисования?

Сначала в большую неглубокую ёмкость наливают воду.
Затем кистью набирают специальные краски, которые не растворяются в жидкости и не смешиваются между собой.
Этот состав капают на воду и тонкими кистями задают нужные узоры.
Когда на поверхности получается рисунок, его переводят на другую поверхность. Чаще всего это делают на листке бумаги, но также это может быть ткань, дерево и т.д.

Данный вид живописи имеет следующие достоинства:

возможность расслабиться и получить массу положительных эмоций;
подходит как взрослым, так и детям дошкольного возраста;
учит мыслить нестандартно и отклоняться от привычных способов творчества;
позволяет сделать декор для тканей, интерьера и т.д.

Марблинг относится к абстрактному виду творчества, так как не имеет предметного воплощения

Несмотря на массу преимуществ, у марблинга есть несколько незначительных недостатков:

невозможность повторения изображения;
размер картинки зависит от габаритов ёмкости, поэтому не получится создать большое полотно;
поверхность для перевода рисунка должна быть идеально ровной.

Виды марблинга

Данная техника живописи делится на два основных вида: турецкое эбру и японское суминагаши. Они различаются своим происхождением и используемыми предметами, но суть процесса практически одинакова.

Турецкое эбру

При таком способе мастера используют различные кисти, щётки, палочки для создания всевозможных узоров. Данный вид творчества особо популярен при украшении тканей.

Многим людям такое творчество помогает зарядиться энергией и помедитировать

Японское суминагаши

Эта разновидность марблинга появилась в Японии. Местные мастера используют не загустители для красок, а специальную тушь. Её капают на воду, чтобы она растекалась кругами по поверхности. Также мастера придумали ещё один необычный способ – создавать изображения с помощью картонных ёмкостей, в которые налита краска. Их перемещают по жидкости, образуя размытые узоры. Далее полученный результат переводят на рисовую бумагу.

Как научиться?

Прежде, чем приступить к работе, вам нужно приобрести широкую ёмкость, это может быть большой контейнер. Также нужны нерастворимые краски и жидкость для марблинга, набор кистей для создания узоров и поверхность, на которую вы будете переносить изображение.

Что делать дальше?

Первым делом наливаем жидкость в ёмкость. Если получились пузыри, их нужно лопнуть, иначе в дальнейшем получатся прерывистые капли.
Далее берём наши краски и капаем их в воду. Если у них нет пипетки, можно зачерпнуть пигмент прямо кисточкой.
Когда капля оказалась в воде, ждём, пока она немного расплывётся.
Далее делаем то же самое с другими цветами.
С помощью тонких кистей вы можете придать каплям другую форму. В результате из кругов можно сделать эффектные цветы, кружева, перья и т.д.
Теперь берём лист бумаги и плотно прикладываем к нашему рисунку. Далее убираем полотно так, чтобы остатки влаги вытерлись о край ёмкости.
Оставляем бумагу сушиться.

То же самое можно сделать и с тканью или предметами интерьера, которым вы хотите дать новую жизнь. В случае, если вы декорируете поверхности для украшения каких-то предметов, стоит помнить, что после сушки им понадобится дополнительная защита. Для этого вы можете покрыть их прозрачным лаком. Если же вы решили украсить дом рисунками, то их можно поставить в рамку или создать коллаж.

Наглядный процесс создания изображения на воде можно увидеть в данном видео:

Если вы хотите научиться хорошо рисовать, для этого Вам помогут определённые стили, вот некоторые из техник живописи, которые вам нужно будет изучить.
Вам не нужно будет использовать все эти методы в своих картинах, но важно, по крайней мере, знать о них.

1 Техника лессировки (Scumbling)

Лессировка - это техника получения глубоких переливчатых цветов путём нанесения полупрозрачных красок поверх основного цвета. Эта техника идеальна для создания атмосферной глубины в ваших картинах.

Если честно, мне немного стыдно за то, что я не знал про эту технику. Огромное спасибо Пафнутию Грызь, который упомянул об этом в своём комментарии. Обязательно испробую эту технику)

2 Техника - Алла Прима (Alla Prima; мокрым на мокрой)

Относится к стилю рисования, при котором краска наносится, не давая более ранним слоям высохнуть. Художники, использующие эту технику, могут закончить картины часто всего за один сеанс.

Эта техника практиковалась многими мастерами импрессионизма, поскольку она позволяла им уловить неуловимый свет как можно быстрее.

3 Техника - остекление (Glazing)

Глазурь - это тонкий, полупрозрачный слой краски. Остекление - это популярная техника в масляной живописи, где глазурь наносятся поверх непрозрачного слоя краски, которому дают высохнуть.

При остеклении лучше всего использовать краски, которые имеют большую прозрачность. Белый, например, не подходит для остекления, поскольку он очень непрозрачный.

Когда есть несколько слоев глазури, цвета оптически смешиваются, как если бы они были все объединены, без фактически смешивания пигментов. Это создает интересные эффекты, которые очень эффективны для портретной живописи.

4 Техника - Контрастное сопоставление (Chiaroscuro)

Chiaroscuro возникла в эпоху Возрождения, когда художники создавали сильные контрасты между светом и тьмой, чтобы придать трехмерным формам драматический эффект.

Среди выдающихся художников, связанных с Кьяроскуро, - Уго да Карпи, Джованни Бальоне, Микеланджело Меризи да Караваджо и Рембрандт Харменс ван Рейн I.

5 Техника - Объёмное изображение (Impasto)

Используя эту технику, вы можете добавить объёма вашей картине, эффекта 3д в важные области.

Есть несколько способов использовать технику импасто для улучшения ваших картин:

Техника impasto создаст области тени на картине в зависимости от источника света. Это дает еще одну изюминку вашей картине и может добавить глубины в зависимости от того, как она используется.
Выступающие участки краски будут видны с боковых углов.
Вы можете использовать технику импасто, чтобы создать иллюзию расстояния, при этом близкие области становятся более застроенными, а отдаленные - более гладкими и мягкими.
Используя объёмное изображение, вы можете направлять зрителя по своему усмотрению вокруг рисунка, используя направленные линии. Они не должны быть очевидными и могут быть чем-то таким простым, как тонкие линии на деревьях, направленные к вашей точке фокусировки.

Понравилась статья? Пишите в вышеприведённой технике? Пишите комментарии, ставьте лайк, подписывайтесь на канал. Всем спасибо. До скорых встреч.

Снова несёте в подарок конверт с деньгами или букет? А может, хотите разнообразить ваш интерьер масляной живописью? У нас есть решение! Нарисуйте картину маслом! Не пугайтесь, это проще, чем вы думаете. В статье мы расскажем, как рисовать маслом, даже если краски у вас в руках впервые!

В статье расскажем:

Знаете основы масляной живописи, но хотите прокачать свои навыки? Приходите на курсы художников в Санкт-Петербурге, где опытные художники научат вас тем секретам живописи, которые рассказывают только в художественных школах.

Советами, как рисовать маслом, поделились художник Татьяна Медведева и преподаватель живописи с пятилетним стажем Алексей Жуков.

Что нужно для рисования маслом?

1.Масляные краски. Начинающим будет достаточно базовых цветов, ведь их можно смешивать и получать другие оттенки. Не забудьте про белую краску — она самая важная!

2. Кисти. Они различаются по размеру, форме, материалу и степени набитости. Научиться рисовать маслом без них практически невозможно.

О размере: большими кистями удобно писать фон или абстрактные картины, а маленькими прорисовывать детали: кружево или усы у кота. Поэтому на первое время запаситесь 3 кистями: большой плоской (номер 12) средней плоской (номер 6 или 7) и маленькой круглой (номер 2 или 3).

О форме: ваш выбор будет зависеть от того, в каком стиле вы хотите писать. Квадратные плоские кисти хороши для мазков, а круглые для прорисовки деталей.

О материале: бывают кисти из щетины и синтетического ворса. Щетина дороже, но качественнее .

3. Ванночка для разбавителя или, как её называют в кругах художников, маслёнка.

4. Палитра. Если вы думаете, что деревянная палитра одноразовая, то это не так. Покройте её 3-4 слоями лака, дайте высохнуть и смело смешивайте на ней краски.

8. Тряпочки для вытирания кистей.

Как подготовить и загрунтовать холст?

Подготовка к живописи маслом займёт около 3 дней. Таким образом Его Величество Масло проверяет вас на прочность! Если справитесь — можете приступать к работе. Но вы точно справитесь!

Шаг 1. Натяните холст на подрамник с помощью строительного степлера, равномерно вбивая скобы.

Шаг 2. Приготовьте желатин. Смешайте 20 г желатина с 300 г воды. Через час, когда желатин набухнет, подогрейте его на паровой бане, но не давайте кипеть. Затем снимите, позвольте остыть до комнатной температуры и уберите в холодильник на 30 минут.

Шаг 3. Аккуратно втирайте желатин в холст, пока он не растворится. Обязательно следите, чтобы желатин не проступал на обратной стороне холста. Слоёв желатина должно быть 5-6, причём промежуток между нанесением — 12 часов.

Шаг 4. Через 12 часов нанесите на холст акриловый грунт 2 слоями с промежутком в 1 час.

Если вы думаете, что грунтовать холст сложно и вам не под силу, посмотрите видео, и у вас не останется вопросов.

Материалы готовы, но как организовать место так, чтобы всё нужное оказалось под рукой? Удобнее всего научиться рисовать маслом, закрепив холст на мольберте или этюднике, а рядом с ним поставить 2 табуретки для инструментов. Не забудьте про хорошее освещение, зрение не так-то легко восстановить!

Как только в руках у вас оказываются масляные краски и кисти, настройте себя на волну фантазии. Перед вами 2 пути. Первый — отключить голову и расслабиться. Вы можете хоть выливать краску на холст и кататься по нему на велосипеде! А почему бы и нет, если это доставляет удовольствие?

Второй путь научиться рисовать маслом посложнее — изобразить реалистичный сюжет. Вот здесь и пригодятся правила перспективы, построения и теней.

Правило глубины. Предметы вдалеке должны быть сглажены, чтобы передний план казался контрастнее и ярче.

Правило света и тени. Не забывайте, что предметы не летают в воздухе.

Пространство вокруг предмета всегда заполнено, поэтому, чтобы он не казался вырезанным, добавляйте рефлексы — цветовые блики с ближайших предметов.

Правило лёгкого наброска. Перед началом работы с маслом, прозрачно наметьте предметы простым карандашом или древесным углём, чтобы не поцарапать холст. Но не забудьте подтереть уголь тряпочкой, он смажется, но не переживайте, краска его перекроет.

Конечно, живопись маслом — занятие для подготовленных. Без представления о композиции и технике построения предметов и перспективы будет сложновато нарисовать гармоничную картину.

Рисуем маслом пионы

С теорией разобрались, но без практики она забудется через 3 минуты! Предлагаю не откладывать и сегодня же пуститься в творческий полёт. Начнём с простого и эффектного — пионов.

Цветы можно писать как душе угодно: и пальцами, и кистями, и целый букет, и один цветок на весь холст. Начинайте с легкого тона на фоне, затем переходите к цветам, а последним шагом напишите листья.

Если вы до сих пор не верите, что у вас получится научиться рисовать маслом, посмотрите это видео! Кажется, что повторить не составит труда, какая красота получается!

Рисуем маслом море

Тут у меня к вам вопрос: какое море? Вода — переменчивая стихия, она может падать тяжёлой волной и разбиваться о скалы, переливаясь бликами лунного света, а может ласкать балийский мраморный песок и слепить глаза солнечными искрами.

Ловите 3 лайфхака и пример рисунка моря маслом.

Кто-то рисует, детально прописывая каждый пенный брызг, а кто-то пишет настолько абстрактно, что шум волны слышишь только отойдя от картины на несколько шагов.

Но какое бы море не запало вам в сердце, у горизонта оно должно быть темнее, чем на переднем плане, а на волну всегда будут ложиться свет и тень. Море контрастно, оно переливается множеством оттенков и вбирает гамму рефлексов.

Чтобы научиться рисоватьмаслом, нужна практика. В этом видео вам объяснят каждый шаг, попробуйте повторить, и вы почувствуете, как шумит море, нарисованное вами.

Рисуем пейзаж маслом

Что вы видите на будущем шедевре: бескрайние лавандовые поля или деревушку в Альпах? А может, майскую грозу Тютчева? Что бы вы не выбрали, рисуя пейзаж, пишите послойно. Пройдитесь лёгким тоном сначала по фону вдали, затем напишите то, что ближе, и в последнюю очередь прорисуйте передний план. Не начинайте картину с одного угла, пишите всё и сразу, двигаясь от общего к деталям.

Для создания первых произведений искусства вам нужно запастись лишь инструментами и огромным желанием. Но если вы хотите быстрее разобраться в техниках и способах построения предметов, запишитесь на художественные курсы. Вы увидите, как грунтовать холст, почувствуете материалы и научитесь строить композицию по всем правилам.

Программа должна включать не только разные стили масляной живописи, но и уроки построения композиции и предметов.
Чем больше преподаватель взаимодействует с вами, тем больше вы вынесете знаний с курсов. Он должен исправлять ошибки, показывать приёмы и, конечно, его манеры объяснять и рисовать должны откликаться в вашей душе.
В группе должно быть не больше 10 человек, иначе преподаватель просто не успеет выделить время на каждого.
Взгляните на отзывы учеников, они могут многое прояснить.

Стоимость курсов начинается от 3 000 рублей и доходит до 20 000 рублей.

Творчество можно сравнить с полётом на парашюте: главное — сделать первый шаг, и вы тут же пуститесь в полёт фантазии! Больше практики и веры в себя! Всё получится!

Расскажите нам в комментариях, как быстро вам далась масляная живопись. Сделайте репост статьи, чтобы не потерять советы, как научиться рисовать маслом и что для этого понадобится.

Нередко бывает такое, что начав писать что-либо на холсте, вы обнаруживаете, что картина "не пошла", а холст кажется вам испорченным. Или вы взяли холст, чтобы опробовать на нем какую-то технику или сделать несколько набросков элементов картины, чтобы решить, какой больше подойдет в планируемой картине, то есть снова "испортили" холст.

Не переживайте: у вас во всех в этих случаях всегда есть надежный спасатель — имприматура.

Вот я, например, по совету мужа сделала для статьи Краски. Как смешать три видео получения красок радуги, для чего взяла три новехоньких холста. После того как видео были сняты, сами холсты мне в таком виде уже были не нужны, а потому я занялась превращением "отыгравших свою роль актеров" в холсты, на которых можно что-то написать, то есть превратила созданные при этом цветовые пятна радуги в имприматуру. Этот процесс я тоже сняла видеокамерой, обрезала видео до нужного размера, прокомментировала свои действия с помощью диктофона и, наконец, смонтировала вместе видео и звук. Теперь я предоставляю получившийся в результате видеоролик вашему вниманию.

Обращаю ваше внимание - краска размазывается только в том случае, если она не успела высохнуть. Высохшую краску вы никогда не размажете по холсту. Такой холст можно просто "записать", т.е. поверх старой картины написать новую, или же просто закрасить старую картину слоем краски. Но это уже тема для новой статьи)

Как вы видели, я во всех трех случаях создала однослойную разноцветную неоднородную имприматуру. В принципе, имприматуру в таком виде можно наносить и в том случае, когда ваш холст девственно бел. Как я писала в статье Что такое имприматура, имприматура преследует две цели:

Создание защитного слоя, не дающего грунту вытягивать масло из краски и облегчающего написание картины, поскольку по красочному слою кисть скользит легче, а краска на него ложится идеально.
Покрытие холста неким однородным средним тоном, что облегчает соблюдение тональных отношений в будущей картине, или формирование разнородного фона, который, просвечивая сквозь верхние слои краски, создает не достижимую иным способом игру цвета и света.

Возможно, я вношу путаницу в ваши умы, так как мое толкование имприматуры несколько шире классического, поскольку я в отдельных случаях объединяю имприматуру с фоном картины. Но так как этот фон делается на холсте самым первым, т.е. зачатую еще тогда, когда художник просто не знает еще, что он напишет, то я взяла на себя смелость и назвала этот абстрактный фон имприматурой.

В любом случае, как мне кажется, я недалека от истины, ибо в русском языке имприматура раньше называлась просто первым красочным слоем — точнее первым слоем краски. (Слово "имприматура" появилось в русском языке позже, как калька c французского imprimatura.) Древние мастера всегда писали картину в несколько слоев. Натянув холст на подрамник, они сначала проклеивали его, затем грунтовали, потом наносили на него рисунок, а затем покрывали рисунок слоем жиденькой краски, разбавляя ее каким-либо разбавителем. Вот этот последний подготовительный слой итальянцы и называли имприматурой, а русские — первым красочным слоем.

С этим русским названием связан один интересный курьез, точнее заблуждение, жертвой которого я стала. Но сначала я уступлю слово своему мужу, Саше, любящему ковыряться во всевозможных тонкостях, упорно стараясь докопаться до истины. Он как бульдог — начнет за что-нибудь тянуть, ни за что его не остановишь. :)

Спасибо, Таня!

Давайте попробуем разобраться с этим интригующим всех термином "имприматура", чтобы проверить правоту сказанных выше слов Тани.

Лезем в итальянско-русский словарь и обнаруживаем, что imprimatura это. грунтовка, грунтовочный слой . То есть итальянцы считают имприматуру грунтовкой (точнее, ее последним этапом), а не чем-то таким особенным.

Как же тогда возник "первый красочный слой" в русском языке? Видимо потому, что в древнеитальянском языке слово imprima обозначало то же, что и современное итальянское слово prima, то есть раньше, прежде, сперва, сначала.

То есть имприматура — это то, что делается в первую очередь, до начала создания картины. А поскольку итальянцы в первую очередь наносили слой краски, который они считали частью грунта (точнее вторым слоем грунта), то есть слоем, который обеспечивает надежное сцепления верхних слоёв краски с проклеенным холстом и выравнивание впитывающей способности этого холста, то русские не мудрствуя лукаво перевели слово imprimatura, как "первый красочный слой".

О том, что это именно грунт, говорит вторая часть слова imprimatura — tura, которое в свою очередь является производным от глагола turare, означающего "заделывать", "закупоривать", "запруживать", "затыкать". То есть имприматура — это нечто, что наносится в самом начале, чтобы закупорить поры холста, точнее основного грунта, а итальянцы для этого обычно использовали краску. Причем, грунтовали они холст в два слоя: первый слой выравнивал холст (грунт в полном смысле этого слова), а второй предотвращал впитывание масла из лежащих выше слоев краски (имприматура).

Кстати, термин "а ля прима" по своей сути родственник "имприматуры". Ведь la prima — означает подготовительную работу, то что делается в начале, например грунтовка и написание подмалевка. Вот так и появился термин a la prima, то есть написание картины сразу, вместо подготовительной работы, не возясь с имприматурой, подмалевком и прочими премудростями многослойной живописи.

Возможно, я и ошибаюсь, но согласитесь, весьма похоже на истину.

А теперь о курьезе. Одно время, почти в самом начале своей живописной жизни, я решила освоить так называемую фламандскую семислойную технику живописи. В качестве одного из слоев фигурировал первый красочный слой, поверх которого наносился так называемый "мертвый слой".

Следуя инструкциям, я загрунтовала холст, сделала рисунок и нарисовала поверх него первый красочный слой, то есть фактически картину. После чего я стала замазывать эту картину серой краской, то есть создавать "мертвый слой". А затем я начала лессировками раскрашивать этот мертвый слой, фактически восстанавливая цвет, который я на предыдущем этапе старательно уничтожила серыми тонами.

Все это время Саша, проходя мимо, чесал затылок, говоря "Никак не пойму, зачем надо было сначала красить, потом замазывать, а потом снова красить?" Я в ответ тыкала в его сторону кисточкой и шипела "Изыди! Ничего ты в этом не понимаешь. Это техника великих мастеров!" Короче, картина в "технике великих мастеров", так у меня и не получилась. Устав воевать с мудреными семью фламандскими слоями, я просто дописала картину в стиле а ля прима. Правда, потом я долго переживала, что я такая глупая. :)

Лишь спустя много лет, после множества проб и ошибок, я поняла, что "первый красочный слой" — это, скорее всего, имприматура, а "мертвый слой" — обыкновенный подмалевок, сделанный в технике гризайли. То есть, загрунтовав холст чем-либо, чтобы сделать его поверхность ровной, гладкой, фламандцы копировали на холст рисунок, а потом поверх него жиденькой краской наносили второй слой грунта (имприматуру), который предохранял сделанный углем или порошком рисунок от размазывания (и загрязнения им верхних слоев краски), но не скрывал его, поскольку краска была жидкой, а потому почти прозрачной. И одновременно этот жидкий грунт защищал последующие красочные слои, то есть цветные лессировки, от потери ими масла, предотвращая их пожухание, и усиливал сцепление этих лессировок с холстом.

После чего фламандский художник прорабатывал форму сложных предметов (не всегда всей картины!), делая гризайльный подмалевок. Этот подмалевок выполнялся краской одного цвета, обычно серой, а потому и получил название мертвого слоя, то есть слоя, лишенного разноцветья. Создавалась как бы черно-белая фотография, которую потом надо было раскрасить. (Люди моего поколения еще помнят наверно"цветные" фотопортреты, то есть искусно подкрашенные черно-белые фотографии. Лицо серое, а губы красные.) Причем подмалевок мог делаться как краской того же цвета, что и имприматура, так и краской другого цвета, через которую просвечивала имприматура, заставляя подмалевок играть или придавая ему теплоту.

Осознав это, я постепенно выработала свою "фламандскую технику". Вот один из примеров ее использования — левый холст моего диптиха Два плюс один, который сейчас выставлен на выставке в Храме Конфуция в Пекине. На фотографиях ниже вы видите этапы создания этой картины: 1) имприматура и рисунок, 2) подмалевок, 3) исправленный подмалевок, 4) прописка с элементами лессировки и 5) готовая картина.

На шестой фотографии для полноты картины я показал правый холст диптиха.

1. Имприматура с рисунком тушью поверх нее

4. Первая цветная прописка

2. Гризайльный подмалевок, начальный

5. Готовый левый холст диптиха

3. Гризайльный подмалевок, исправленный

6. Готовый правый холст диптиха

Если вы внимательно смотрели приведенный выше видеролик о спасении холста с помощью имприматуры, то, присмотревшись к первой фотографии, обнаружите, что перед вами как раз один из спасенных холстов. :) Обычно я делаю рисунок под имприматурой, так как на белый холст переводить рисунок проще, но здесь я нанесла его тушью прямо на имприматуру. Тушь после высыхания держится очень стойко — краска и разбавитель ее не размазывают.

Если вас удивляет, почему гризайльный подмалевок я сделала в два этапа, не берите это в голову — никакой хитрости тут нет. Просто при написании подмалевка правого холста я взяла более холодные смеси. Мне они понравились больше, а потому я подогнала под них левый холст, который изначально был теплее. Кстати, второй холст тоже из числа спасенных. Даже в готовом виде на нем явно просвечивает полученная во время спасания имприматура, придавая фону непередаваемый колорит. На левом она тоже видна, но не так заметно.

Сразу оговорюсь, что каждый этап у меня состоял из нескольких сеансов, то есть на деле слоев здесь намного больше, чем семь фламандских. Но я, к счастью, не фламандка — я россиянка! Как бы к этому ни относились в мире, но факт остается фактом — россияне терпеть не могут, когда им указывают, что и как им надо делать. Может, именно поэтому на западе так любят рассуждать о загадке русской души, но никак эту самую русскую душу понять не могут. )

Как истинная россиянка, я не следую тупо своим или чужим канонам, а свободно варьирую разнообразные подходы, добиваясь нужного мне результата. Что-то получается, что-то нет, но я уже не расстраиваюсь по поводу неудач. Не зря живопись называют творчеством — каждый художник творит не только свои картины, но и свои приемы. И всякий раз, когда мне говорят о той или иной технике старых мастеров, советуя попробовать ее, я в ответ лишь улыбаюсь и согласно киваю головой. И продолжаю делать по-своему.

"Древнее" вовсе не означает "лучшее". Эти самые древние мастера постоянно искали свои подходы к живописи, вырабатывали свои техники — такие, которые упрощали им жизнь, облегчали создание картины. Поэтому, по сути, сколько существует мастеров, столько существует и техник. Важен не сам процесс написания картины, а то, что получится в результате. И зрителю наплевать, как ты этого результата достигла. Я ни разу не слышала ни на одной выставке (я не имею в виду снобов, изображающих из себя знатоков живописи) что либо типа "О, фламандская техника!" Обычно зрители говорят "Здорово!" или, извините, "Хрень!" Или же просто проходят мимо картины, лишь скользнув по ней взглядом, даже если в ней использована самая древняя или, наоборот, самая новейшая техника.

Вот и вы. Не гоняйтесь за техниками и приемами. Не создавайте себе кумира. Творите свое творчество сами. Все, что вы читаете в разделе Начинающему художнику, включая эту статью, имеет лишь одну цель — помочь вам самим найти дорогу в ваш мир живописи. Читайте мои советы критически, пробуйте то, что я советую, примеряйте мои советы к себе и ищите свои подходы.

Однако, есть одно исключение.

В многослойной масляной живописи всегда остается незыблемым одно выработанное веками правило — писать"жирным по тощему". Оно означает, что чем ниже слой, тем меньше должно быть масла в его красках. Именно поэтому краску для имприматуры мы обильно разбавляем чистым разбавителем, а в последующих слоях мы можем постепенно увеличивать количество масла в смеси для разбавления красок, можем даже добавить в нее дамарный лак для увеличения сцепления и повышения сочности цветов. Вы получите так называемый тройник, то есть смесь разбавителя, масла и дамарного лака . Его можно купить готовым, но лучше делать его самому, варьируя пропорции в зависимости от температуры, влажности и того, какой слой вы сейчас пишите.

Кстати, жидкую краску имприматуры можно наносить на поверхность загрунтованного холста не только кистью, но и губкой, тряпкой или еще чем-то. Главное, не забудьте разровнять имприматуру и удалить с холста излишки краски. В результате образуется тонкий красочный слой, изолирующий последующие масляные слои от грунта и способствующий лучшей сохранности живописи. В акриловом грунте, которым в основном сейчас покрывают холсты, масла нет. В имприматуре масла минимум - только то, что содержится в самой краске. Грунт вытянет эту капельку масла в себя, и не будет его тянуть из последующих слоев. Поэтому имприматура сформирует почти не тянущую масло поверхность холста, тем самым обеспечивая лучшее сцепление слоев и их сохранность.

Читайте также: