Картина в желтом цвете своими руками
Добавил пользователь Skiper Обновлено: 05.10.2024
Чередование тёплых и холодных цветов
Напомню, что цвета разделяются на две группы — тёплые и холодные. К тёплым относятся жёлтый, бежевый, оранжевый, красный, коричневый и множество производных от них оттенков. К холодным — синий, зелёный, фиолетовый… Названия этих двух групп основаны на впечатлении, которое производят соответствующие цвета. Например, синий и голубой ассоциируются с пространством, прохладой… А жёлтый и оранжевый — напротив, напоминают огонь, тепло, солнце…
Светотень и цвет. Рефлексы
Давайте рассмотрим всё это на примере коричневого кувшина из глины. Как известно, на любом объекте есть область света, полутени, тени, рефлекса и есть зона падающей тени. Такое распределение света называется законом светотени. Его изучают в самом начале обучения изобразительному искусству. Итак, как изобразить вышеупомянутый кувшин красками? Взять коричневый цвет и добавлять в него белый с чёрным, чтобы получились свет и тень? Нет. Это было бы разукрашиванием.
Со всех сторон предмет окружает среда из других объектов. Это могут быть стены комнаты, пол, окно, шторы, мебель. да что угодно. И это окружение окрашено в разные цвета, которые будут отражаться от нашего кувшина. Таким образом, свет и тень — это не просто светло-коричневый и тёмно-коричневый.
Например, свет голубого неба освещает кувшин слева. Значит, в наш коричневый мы должны добавить не только белый, но и синий. Эта смесь цветов станет светом на воображаемом кувшине.
Далее, предположим, с теневой стороны кувшин окружает жёлтая драпировка. Поэтому в тёмно-коричневый мы добавляем жёлтый — это будет тенью на нашем кувшине.
Полутень же мы сделаем бело-коричнево-зелёной, потому что с этой стороны кувшина стоит, скажем, зелёная шкатулка.
Что касается рефлекса, то эта часть кувшина окрасится в коричнево-жёлто-красный, поскольку с этой стороны будет лежать красное яблоко. Поэтому красный цвет отразится на тыльной стороне кувшина и смешается с основным коричневым и вышеупомянутым жёлтым.
К тому же у светотени есть ещё такая закономерность. Если свет имеет холодный оттенок, то тень стремится к тёплым цветам. И наоборот, если свет тёплый, то тень будет холодного цвета. Свет и тень противоположны друг другу не только по светосиле, но и по цвету.
Итак, мы увидели как зависит цвет от светотени. Изменение цвета на основе светотени — это один из способов привнести в живопись динамику тёплого и холодного.
Разложение цветового тона
Рассмотрим ещё один способ чередования тёплого и холодного. Данным приёмом активно пользовались импрессионисты. Как видно из названия подзаголовка, — это разложение цветового тона. Что это значит? Цветовой тон — это по-сути название цвета. Это не насыщенность и не светлота цвета. Это, собственно, сам цвет. Но как можно цвет разложить? Возьмём, к примеру, фиолетовый. Фиолетовый образуется путём смешения красного (бордового) и синего. Таким образом, разложить фиолетовый на составляющие означает взять синий и красный вместо фиолетового. Подобным образом поступали импрессионисты. Их живопись отличалась разложением сложных оттенков на чистые цвета.
Поэтому вводить тёплые и холодные краски можно не только когда меняется освещение предмета (есть свет, полутень, тень…). Если вы пишете равномерно освещённую плоскость, то её основной цвет тоже можно видоизменять, разложив на составляющие. Предположим, если эта плоскость фиолетовая, то вместо него можно использовать синий и красный. В итоге они дадут фиолетовый, но вместе с тем оживят живопись чередованием тёплого и холодного.
Оптическое и механическое смешение цветов
Теперь давайте посмотрим как вышеприведённые цвета — красный и синий — образуют фиолетовый. Это происходит благодаря оптическому смешению цветов. Когда разные краски находятся рядом друг с другом — они станут смешиваться в глазах зрителя. Чем дальше отходить от живописи и чем меньше мазки краски, тем сильнее станут смешиваться цвета. Именно таким оптическим смешиванием пользовались импрессионисты. Именно таким образом можно написать фиолетовую плоскость из вышеприведённого примера.
Но если Вам не хочется работать в стиле пуантилизма (точками), если больше нравится реалистическая живопись, то как быть в таком случае? Тут можно применить другой способ смешивания цветов — механическое смешение. Это когда Вы будете буквально смешивать краски на палитре.
Именно к такому живописному стилю я пришёл в итоге. Но, я ни в коем случае не возвожу его в закон и не называю единственно верным. Можно писать по-разному. Можно работать в различных стилях. Главное, чтобы в живописи наблюдалась динамика тёплых и холодных красок.
Для лучшего понимания изложенного, можно посмотреть живопись таких представителей французского импрессионизма как Клод Моне, Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро. Кроме этого хорошей иллюстрацией станут полотна Валентина Серова, Аркадия Пластова. Изучение живописных произведений поможет начинающим художникам увидеть как воплощается на практике, описанная выше теория.
Самым популярным пигментом древнего мира была желтая охра : ее можно встретить и в наскальной живописи, и в керамике эпохи палеолита. Дело в том, что этот цвет давала сама земля глинистых пород. В отличие от красного, который тоже встречается в рисунках первобытного человека, охру было легко добывать, и ее накладывали большими пятнами или использовали в качестве фона.
Древние изображения в пещере Ласко. Источник
Желтый — цвет богинь
В Древнем Египте желтый был цветом золота и солнца и воспринимался как что-то вечное, несокрушимое. Для изображения тел богинь и цариц использовали шафрановый оттенок (а вот мужчин рисовали загорело-коричневыми).
Богиня Исида. Источник
Для памятников женщинам выбирали камни желтого цвета, как, например, на фрагменте яшмовой скульптуры, изображающей неизвестную царицу (есть версия, что это Нефертити). Считалось, что кожа и кости богинь созданы из золота, а кроме того, желтый напоминал священный свет и символизировал тепло.
Источник
Чтобы получить желтый цвет, египтяне использовали состав из глины. Но иногда ради яркости в него добавляли очень токсичный сульфид мышьяка — и тогда эта работа становилась для мастера последней.
Желтый — цвет Иуды
Вплоть до конца Средневековья у желтого цвета была лишь позитивная интерпретация: его использовали в иконописи для нимбов и фона — то есть как символ Царства Божия.
Всё изменилось, когда начала активно развиваться медицина. В XIV веке врачи выяснили, что проблемы с желчью возникают у людей жестоких и лицемерных. Поэтому желтый вскоре оказался еще и символом зависти, ревности, лжи и бесчестия.
Так цвет богов перешел к грешникам и аутсайдерам.
Палачей, которых обычные люди сторонились, часто изображали в желтых одеждах. Источник
А в религиозных сценах канареечным цветом обозначали Люцифера и его прислужников. На фреске Джотто для капеллы Скровеньи в Падуе художник выделяет Иуду среди других учеников Христа. Сначала он показан вместе с черным бесом за спиной, а позже его можно увидеть в сцене предательского поцелуя, когда он своей желтой накидкой почти укрывает Иисуса, словно защищая его, — в этой вероломной нежности и таится страшный грех. Иуда превратил поцелуй в стигму, соединив факт предательства и любви.
Желтый — цвет златокудрых Венер
В эпоху Возрождения желтый перестал быть цветом изгоев. В это время возвращаются идеалы античной эпохи, и на картинах чаще можно видеть златокудрых Венер, чем темноволосых Мадонн.
Но иногда образцом для изображения мифических героев и древних богов становились вполне реальные люди. В XV столетии во Флоренции жила блондинка, с которой срисовали сразу несколько античных фигур.
В Симонетту Веспуччи были влюблены художник Сандро Боттичелли и его покровитель Джулиано Медичи. Девушка умерла в 23 года от туберкулеза, но ее лицо стало воплощением флорентийской красоты.
Сандро Боттичелли не успел написать ни одного портрета Симонетты с натуры, но в своих знаменитых работах изображал одну и ту же девушку с волосами цвета солнца.
Даже Богоматерь художник рисовал с высветленными локонами. Для своих полотен Боттичелли выбирал теплый оттенок желтого, который напоминал мед и золото и символизировал уют и изобилие.
Любовь художника была подобна чувству Данте к Беатриче: обожествляя возлюбленную, он никогда не вступал в близкие отношения с ней, но всю жизнь прославлял ее в творчестве. Боттичелли был верен Симонетте не только в своих произведениях — себя он завещал похоронить рядом со своей музой.
Желтый — цвет религиозного экстаза
Заканчивается эпоха Ренессанса маньеризмом , когда вместо витрувианского человека да Винчи появляются удлиненные фигуры с деформированными пропорциями. Эти необычные образы художники-маньеристы писали максимально яркими красками, подчеркивая новизну своих работ.
Произведения испанского художника Эль Греко тому пример. Его экстатичные святые и сцены чудес Богоявления пугали современников своими диковинными фигурами и непривычным цветом.
Эль Греко начинал как иконописец, а на его родине были сильны византийские традиции: святых изображали с удлиненными телами на золотом фоне. Этот стиль художник привнес в живопись, уделяя особое внимание свету, который исходит не с небес, а от святых.
Желтый цвет он наносил как сусальное золото в иконе, — последним слоем, поверх одежды, подчеркивая таким образом причастность изображенных к миру божественному.
Желтый цвет проходит единой линией от Христа к графу Оргасу, который в этой картине встречается дважды: в моменте погребения, изображенный в рыцарских латах, как герой Реконкисты, и на небесах, предстоящим перед Христом в одной набедренной накидке, как обычно изображали пустынника Иоанна.
Эту работу художнику заказал священник для церкви в Толедо, чтобы напомнить прихожанам о главном достижении Оргаса — введении обязательного налога на нужды храма.
Желтый — цвет указующий
В XVII столетии появляется мастер, который превзошел многих предшественников в своей любви к охре.
Рембрандт почти все свои произведения писал светотенью, используя лишь желтые и коричневые оттенки.
Кстати, финансовое состояние художника после смерти Саскии быстро ухудшилось. Считается, что виной тому плеяда неудач: начиная с того, что наследство жены перешло к его сыну, и заканчивая тем, что настроения в обществе сменились и творчество Рембрандта стали считать старомодным.
После такого публичного обличения те, кто ранее покупал работы у Рембрандта, больше не захотели к нему обращаться — ведь он мог своим светом раскрывать чужие тайны.
Желтый — цвет легкой и праздной жизни
Чтобы походить на античного бога, король однажды облачился в пачку из золотых лучей и в таком виде станцевал на придворной сцене. После этого в моду надолго вошли желтые костюмы и платья, которые символизировали золото и богатство.
Французский художник Жан Оноре Фрагонар был настоящим фанатом этого цвета: герои его картин почти всегда появляются в шафрановых одеждах.
В своих работах он использовал неаполитанский желтый — пигмент, который открыли при жизни художника. Эта была очень токсичная краска, содержащая свинец, — и невероятно популярная из-за относительной дешевизны.
Мода на этот цвет не стихала во Франции на протяжении всего XVIII столетия, поэтому почти все заказные портреты Фрагонар писал в медово-золотистой палитре.
Правда, после французской революции творчество Фрагонара стали воспринимать как потакание прихотям аристократии, поэтому он оказался фигурой нон грата и вскоре лишился всех своих богатств. Как гласит легенда, смерть к нему пришла в кондитерской: он заказал мороженое, сел за столик и уснул в лучах летнего солнца.
Желтый — цвет лихорадки Тёрнера
В XIX веке в Англии произошла промышленная революция, и на рынке появились многочисленные пигменты, о которых раньше художники и не мечтали. Молодые живописцы сбегали с занятий в академии, чтобы только увидеть, какую новинку им на этот раз предложат в художественном магазине.
Английский художник Уильям Тёрнер внимательно следил за новыми оттенками, но всегда отдавал предпочтение жёлтом, будь это охра, желтый хром, индийский желтый или неаполитанский.
Благодаря своей одержимости светом Тёрнер стал первым художником, на картинах которого цветовые эффекты доминируют над сюжетом.
Каждый образ, который он создавал в своих работах, словно окутан золотой пеленой: кажется, что источник света находится внутри самой картины.
Желтый — прекрасный и безумный
Символично, что дом, который снимал Винсент Ван Гог на юге Франции, тоже был желтым. Но художник придавал этому цвету иное значение. Прибыв в Арль, он писал своему брату:
В работе Ван Гог использовал желтый хром . Со временем выяснилось, что этот пигмент чувствителен к свету, поэтому сегодня перед музейными хранителями стоит нелегкая задача сохранить картины художника.
Желтый — цвет резкости
В отличие от Ван Гога, Василий Кандинский не считал желтый прекрасным цветом, хотя и часто использовал желтый кадмий (этот пигмент был в 4 раза дороже вангоговского желтого хрома).
Использование желтого в картине он уподоблял резкому звуку трубы или фанфар. Кандинскому хотелось, чтобы его произведения звучали громко, призывали к революции цветом, поэтому для названий своих работ он часто обращался к музыкальной терминологии.
Желтый — цвет возвращения света
А его близкий друг Марк Ротко, стремясь понять, как можно обновить художественный язык живописи, отправился для поиска вдохновения в Европу — смотреть на двух своих любимых художников: Рембрандта и Тёрнера. С Рембрандтом у них действительно было много общего: размытые контуры, магический свет, который исходит словно изнутри картины. А Тёрнера он ценил за создание сияющих перламутровых оттенков, в которых растворялась форма предмета.
Ротко считал, что цвет сильно воздействует на зрителя, и верил, что его искусство может восполнить пустоту современного человека. Так возникла живопись цветовых полей — когда огромный вертикальный холст делился на несколько блоков разных оттенков.
Ротко настаивал на том, что эти работы нужно рассматривать только с очень близкого расстояния (10–15 см), то есть буквально погружаться в цвет.
Правда, по музейным правилам к полотнам никого не допускают ближе чем на полтора метра. Но даже так они способны вызывать у зрителей очень сильные эмоции.
В начале 1950-х Ротко рисовал в основном ярко-красным, оранжевым и желтым — цветами базовых человеческих эмоций, как говорил художник. Вообще, желтый в 1950-е годы был большой редкостью в живописи. Художники послевоенного времени предпочитали кроваво-красную палитру и темные оттенки, а Ротко был одним из первых, кто смог вернуть картине свет.
Музейное солнце
Сегодня желтый цвет постепенно возвращается в мир искусства.
Датско-исландский художник Олафур Элиассон исследует в своих работах природный свет и его влияние на человека. Когда Элиассон только начинал свой творческий путь, он активно занимался пейзажной живописью, но вскоре отказался от красок и кистей и перешел к тотальным инсталляциям. Его работы воспроизводят природные явления в музейном пространстве — так художник предлагает зрителю переосмыслить восприятие физического мира.
В отличие от обычного белого цвета, в котором есть полный цветовой спектр, в желтой комнате зритель может видеть все объекты лишь черно-белыми. А учитывая, что ничего, кроме света, в этой комнате не было, таким объектом становился сам посетитель.
Инсталляция состояла из сотен моночастотных ламп в форме полукруга под зеркальным потолком, а зеркала были расположены таким образом, чтобы сформировать образ полного круга, то есть солнца. Зрители приходили в музей и ложились прямо на пол, чтобы почувствовать свое место под солнцем.
Друзья, тема статьи сегодня интереснейшая, ведь многие знают не понаслышке влияние цвета на человека , а многие из нас по- настоящему чувствуют на себе, как разные цвета влияют на их настроение .
И правильно подобранный колорит в масляной или акриловой живописи, создает особое впечатление от увиденной картины. Удивительно, но цвет на картине управляет взглядом зрителя!
Вопрос, как цвет может управлять реакцией зрителя и воздействовать на настроение?
Ни для кого не секрет, что цвет обладает сильной, невидимой энергетикой и способен даже воздействовать на психику человека, вызывая определенные эмоции и настроение, то есть, успокаивать или волновать. Люди давно поняли, в чем принцип цветовой гармонии, и научились это использовать.
Цвет окружает нас по всюду…Вы можете себе представить мир бесцветным? И, как правило, мы воспринимаем цвет как должное, ведь мы пользуемся им каждый день!
Рассматриваю картину Огуста Ренуара в музее Токио, Япония
Например, спокойные цвета применяют при оформлении медицинских, учебных учреждений, на предприятиях и фабриках, где важно добиться высокой производительности труда и снизить в разы утомляемость.
А вот яркие цвета наоборот, возбуждают и привлекают внимание. На выставках-продажах используют именно яркие вывески, с красным цветом. Тоже самое можно наблюдать во всех телерекламах, где используются контрастные, теплые цвета для привлечения внимания человека.
Но неверно полагать, что цвет – это невидимый инструмент для манипуляции восприятием. Скорее он помощник в передаче нужного настроения, позволяющий добиться гармонии в живописи, при помощи сочетание цветов в картине.
В процессе работы над картиной
Влияние цвета на человека: как он управляет реакцией?
Именно гармония цветовых сочетаний определяет, какую реакцию у зрителя вызовет у него увиденная картина: будет казаться теплой и уютной, бродящей и энергичной или драматичной, глубокой.
Я рассматриваю сочную картину японского художника на выставке в Киото, Япония
Понимая, как оттенки взаимодействуют между собой, несложно будет передать спокойствие и умиротворение, волнение и возбуждение, симпатию и нежность, озадаченность и смущение….
Бывало ли у вас так, что рассматривая картину, вы испытывали не уютность или наоборот, успокоение от цветовой гаммы на картине… Такие эмоции вызывает не сюжет картины, а колорит, который подобран так, чтобы вызвать те самые чувства.
Цвет – основа живописи , всему голова! Зная свойства цвета, можно придать картине любое настроение. Каждый цвет в нашем подсознании сравнивается с разными стихиями, ощущениями и материальностью. Для понимания приведу несколько примеров и эмоциональных реакций на различные цвета:
- желтый – цвет солнца, вызывает чувство счастья, уюта, тепла;
- оранжевый – энергичный и праздничный, также ассоциируется со счастьем;
- красный – страсть, возбуждение, опасность, огонь;
- красно-лиловый – закат дня, волнение;
- лиловый – ночь, интриги, темнота;
- сине-лиловый – холод, темнота, волнение;
- голубой – вода, свежесть, мечтательность, небо;
- голубовато-зеленый – вода, даль, прохлада, безмятежность;
- зеленый – природа, листва, свежесть, спокойствие, тишина;
- желтовато-зеленый – солнечные лучи, листва, покой, великолепие.
Роль цвета в композиции важна: чистые оттенки рождают эмоцию, полутона позволяют приглушить реакцию, изменение яркости – вызвать грусть или дискомфорт.
Цвет основа живописи — в картине я использовала желтые, красные и зеленые цвета
Прежде чем выбрать цветовую палитру картины, нужно продумать сюжет, определить сезон, время суток, погоду. Решить, какое настроение хочется передать в этой работе.
Возможно вы замечали, что выбор палитры зависит и от нашего настроение во время работы… иногда хочется побольше контраста, а иногда пастельнность картины соответствует настроению.
Избежать противоречивых чувств и настроений помогут небольшие цветные эскизы. Они же позволят поэкспериментировать с композицией, испробовать несколько вариантов и найти лучший.
Цветной эскиз перед основной работой — росписи на стене
Смешивая краски и изучая, можно делать заметки, отмечая какие эмоции вызывает каждый оттенок и сочетание различных цветов в картине. Это поможет создать свою библиотеку данных о цвете, и в будущем сэкономить время и материалы.
Эксперементировать и изучать цвет в живописи очень и очень полезно, так вы сможете лучше понять, как устроен цвет, и что из чего может получиться.
Есть основные первичные три цвета, из которого появляютя вторичные три цвета, потом еще и еще, путем смешивания… ну от этом подробнее в другой раз.
Помните, что цвет — один из важнейших средств изображения и каждому из нас свойственен свой способ цветового восприятия и передачи.
Колорит в живописи: гармоничное сочетание цветов в картине
Целостность или чистота цвета, что лучше? Вам кажется наверное вопрос странным и непонятным…
Так, например, теплые тона помогают передать энергию и радость. Их используют, когда нужно выразить страсть, любовь, другие положительные эмоции.
Чтобы сделать какой-то цвет наиболее заметным на картине, привлечь к нему внимание, стоит оставить его чистым, не добавлять общий тон. Сочетание гармоничных цветов и чистых оттенков в картине позволит достичь идеального результата.
Цвет — основа языка живописи
Но стоит помнить, чем их больше, чем менее целостной выйдет картина. Наращивать цвета лучше постепенно и следить, чтобы конечное впечатление осталось таким, как задумывалось изначально.
Цветовой центр композиции: зачем он нужен?
Центральный элемент композиции должен привлекать внимание, но не резать глаз. Выбирать цвет для него следует аккуратно, помня о трех качествах.
Центр в обеих картинах — бакал с красным вином
Светлота должна обеспечить главному цвету доминирование среди соседних оттенков. Яркость и насыщенность лучше сделать выше, чем у других цветов, постаравшись при этом избежать диссонанса. Важно добиться гармонии дополнительных и сближенных цветов.
Но, как я писала выше, есть исключения из общих правил. Так, например, картины многих современных художников не имеют главного героя и получаются картины не менее интересные. Как бы, все в общем и целом… все важно и второстепенно… абстрактно, размыто, поверхностно и не напрягает.
Как на фото выше, подсознательно мы понимаем, что бакал красного вина — главное на картине… а все остальное — лишь дополнение к сюжету. Кто то со мной не согласится
Если нужно передать особый колорит, в живописи нередко используются исключительно теплые или холодные тона. Но во многих случаях выгоднее смотрится сбалансированная палитра цветов.
Сочетание теплых и холодных оттенков говорит о хорошем колористическом чутье, свидетельствует о тонком вкусе и мастерстве художника, умении видеть цветовую гармонию в целом.
Планируя картину, привлекающую внимание прежде всего цветом, нужно размещать объекты так, чтобы они не мешали целостному восприятию общей композиции.
Японские посетители разглядывают картину с улицей в Париже. Выставка в Киото, Япония
Хорошо, когда цвет центрального элемента яркий, светлый и чистый, а остальные цвета приглушены. Они как бы играют роль естественного обрамления центра, формируя направление взгляда и правильное восприятие картины зрителем.
В завершение, хотелось бы сказать, цвет – это мощнейший инструмент, способный оживить полотно, произвести невероятный эффект на зрителя. Изучая цвет, мы можем воздействовать на огромный диапазон эмоциональных реакций зрителя!
Умение увидеть и почувствовать нужный цвет, передавать настроение и эмоции – ценное мастерство художника, которое нужно совершенствовать.. А как известно, совершенству нет предела. А значит, такое направление изобразительного искусства, как живопись, можно изучать и изучать бесконечно.
И поверьте, для увлеченных людей это целое поле интересных возможностей и новых открытий! Подружитесь с цветами, научитесь направлять зрителя, и ваши картины успешно смогут передавать чувства близкие каждому!
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.
Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы
Прежде чем начать, я хотелп бы в двух словах рассказать о том, что вы узнаете в этом туториале, а чего - нет. Я не собираюсь углубляться в дебри теории построения цвета или сравнивать особенности цветового восприятия людей, насекомых и каракатицеобразных пришельцев с планеты Зог. Что я собираюсь сделать - так это рассказать о том, как применить теорию цвета на практике. Надеюсь, что смогу помочь вам освоить рисование, не увязнув при этом в болоте технических терминов. Я ориентируюсь прежде всего на начинающих художников.
Часть первая: Дополнительные цвета и цветовой круг
Каждому художнику следует знать о существовании такой вещи как цветовой круг. Может он на вид и неказист, но может оказаться серьезным подспорьем в подборе цвета. Стоит запомнить несколько простых правил.
1. Правило третей.
Разбейте круг на трети, неважно, вдоль каких линий. Цвета в каждом из получившихся секторов будут хорошо сочетаться в композиции. То есть вы можете начать с красного и дойти до оранжево-желтого справа или фиолетово-синего слева. Это правило пригодится, если вы будете рисовать что-то, словно бы имеющее однородный цвет (как вот эта "черная" крыса на рисунке), но захотите разнообразить рисунок, изменяя цвет и текстуру. Настоящая крыса была черной. Но я использовал едва заметные оттенки синего, фиолетового и багряно-красного, чтобы придать цвету насыщенность и глубину. Как видите, вовсе не нужно применять сверхнасыщенные цвета, чтобы достичь желаемого эффекта. Цветовой круг поможет вам выбрать правильное направление, а вы уж можете экспериментировать с интенсивностью. Хотя стоит оставаться последовательным в этом плане.
2. Дополнительные цвета.
Диаметрально противоположные цвета цветового круга являются дополнительными цветами. Для наглядности можете положить поперек круга линейку. Так, зеленый цвет будет дополнительным для красного. Зачем нам это знать?
Во-первых, когда вы используете традиционную технику рисования (не компьютерную), то если захотите смешать несколько цветов и получить насыщенный оттенок, вы будете избегать дополнительных цветов. Дело в том что их использование дает блеклый сероватый оттенок, который не добавит яркости вашей картине. Когда я хочу получить очень темные и насыщенные оттенки, то пользуюсь сходными темными цветами, а затем добавляю пигмент жженой умбры.
Во-вторых: дополнительные цвета помогают акцентировать внимание на какой-нибудь части картины или выделить ее на фоне. На рисунке я с помощью розовых и оранжевых оттенков красного сделал так, чтобы собака не сливалась с задним планом, на котором преобладают синеватые и зеленоватые тона. Опять же, не стоит очень увлекаться - даже едва заметный оттенок может произвести разительный эффект.
3. Еще одно правило третей.
Если вам нужна эффектность, выберите три цвета, отстоящие друг от друга на равных промежутках, и используйте их в качестве основных цветов. Например, вы можете выбрать оранжевый, фиолетовый и зеленый. Но эта техника работы с цветом требует аккуратности. ОДИН цвет должен быть основным, два остальных - подчеркивать его. На рисунке главный цвет - фиолетовый, а легкие зеленые, золотистые и оранжево-желтые оттенки подчеркивают его и придают контрастность.
Не ограничивайтесь только одним правилом. Например, когда подбираете оттенки фиолетового на рисунке ниже, можете воспользоваться первым правилом, чтобы добавить красноватые и синеватые оттенки.
Часть вторая: Насыщенность и контраст.
Лично я предпочитаю приглушенные, не очень насыщенные цвета. Но это только мои предпочтения. В общем, чем более насыщенны цвета и чем больше контраст, тем ярче и четче должны быть линии и формы. На рисунке одна и та же текстура, но с разной насыщенностью и контрастом. Чем ближе эти цвета к чистому красному и зеленому, тем виднее каждый мазок кисти. Если вы используете в своих работах яркие контрастные цвета и четкие линии (например, занимаетесь графическим дизайном), такие резкие формы будут на своем месте. Реалистичные текстуры выглядят лучше с меньшей насыщенностью и контрастом, если в меру применять темные тени и яркие светлые участки.
Часть третья: "Холодные" и "теплые" цвета.
Вы наверное слышали об "холодных" и "теплых" оттенках. В принципе, правый верхний сектор круга считается "теплым", а нижний левый - "холодным". Но вполне можно получить теплый (красноватый или зеленоватый) оттенок голубого или холодный (зеленоватый или даже синеватый) оттенок желтого. Продуманное использование холодных и теплых оттенков позволит вам оживить свой рисунок. Скажем, если вы возьмете теплые тона для освещенных участков и холодные - для тени, то создастся впечатление летней жары. Наоборот, "холодный" свет и "теплая" тень характерны для резкого света морозного дня.
Часть четвертая: Цвет и настроение картины.
В этой области правил, которым нужно беспрекословно следовать, нет в принципе. Но если вы захотите задать настроение картины в первую очередь с помощью цвета, то стоит продумать цветовую схему. Один или два цвета будут пропитывать всю картину. На рисунке ниже, я пользовался в основном зеленым и синим цветом, иногда применяя грязно-желтый для акцента. Я выбрал цвета, придающие чувство заброшенности, потерянности и холодного осеннего дня.
Есть еще один способ выделить часть рисунка - использовать цвет, отличный от преобладающего на рисунке. Например, вы рисуете человека, который смотрят на бегущую по пляжу собаку. Пляж в основном синеватых оттенков, светлые участки песка и воды - зеленоватые. Чтобы выделить собаку на фоне песка, подойдет желтоватый или розоватый оттенок.
Некоторые художники считают, что определенный цвет задает определенное настроение. Но, по моему мнению, не стоит воспринимать эти ассоциации как нечто незыблемое. Скажем, с помощью зеленого и розового можно выразить одиночество и отчаяние, а с помощью холодного фиолетового и зеленого - придать эксцентричность рисунку, как в случае с крылатой мышью (она иллюстрирует третье правило). Бледные, ненасыщенные оттенки и преобладание холодных оттенков придают задумчивость. Более радостное, приподнятое настроение создают теплые, насыщенные тона. Сравните, скажем, пустынную снежную равнину и уютный камин. Наверняка для первого рисунка вы воспользуетесь более холодными цветами.
Часть пятая: Глубина и атмосферная перспектива.
Еще одно из применений цвета - создание иллюзии глубины. Для этого, как правило, уменьшают насыщенность цвета (но не обязательно яркость) по мере приближения к горизонту. Например, если вы рисуете морской пейзаж, то на переднем плане стоит использовать лазурные оттенки синего, более темный синий и изумрудно-зеленый - чтобы отразить глубину моря, серовато-синий - там, где море соединяется с небом. Если хотите создать иллюзию того, что небо еще дальше, можете уменьшить его насыщенность так, чтобы оно было почти белым и с помощью тоненьких мазков серым и голубым наметить контуры облаков.
Эта техника может показаться несколько непривычной, но она работает. Еще один пример: вы рисуете двух пиратов в красных рубашках, одного на носу судна, другого - сзади, возле паруса. Рубашка того пирата, который на переднем плане, будет казаться более насыщенной и яркой, хотя рубашки и сделаны из одной и той же материи. Для рубашки ближнего пирата нужно добавить алые оттенки, для рубашки второго пирата - более темные, приглушенные малиновые тона.
Еще одно замечание. Атмосферная глубина не заменит традиционных методов создания перспективы. Она лишь позволит усилить эффект.
Часть шестая: Подводные камни.
С помощью цвета можно достичь многого. Но есть некоторые моменты, когда цвет не позволяет получить желаемого эффекта.
1. Не используйте сильно отличающиеся цветовые схемы на разных частях картины. Цветовой стиль рисунка должен быть по возможности единым. Вполне нормально, если вы нарисуете мрачное багровое небо нависающее над поросшим зеленой травой похоронным курганом. Но если вы нарисуете половину рисунка в красноватых тонах, а половину - в зеленых, это будет выглядеть жутковато. Не забывайте, что свет багряного неба падает на траву и вообще на все, что есть на рисунке, и придает необычные красноватые и лиловые оттенки. Холодный лиловый и зеленовато-синий помогут усилить контраст между небом и травой.
2. Если вы хотите добиться реалистичности, не стоит прорисовывать тени одним и тем же цветом. Кружка цвета морской волны будет смотреться намного лучше, если светлые области подвести бледно-голубым, а темные - темно-лиловым и красным, чем если воспользоваться светло- и темно-зеленым. Если вы занимаетесь цифровой живописью, постарайтесь преодолеть соблазн и не пользоваться инструментами "размытие" и "выжигание" Photoshop. Эти инструменты работают без учета цветовой теории, и вы, скорее всего, получите в результате плоский, перенасыщенный рисунок.
3. Постарайтесь избегать чистого черного и белого. Им не хватает богатства оттенков и они будут выглядеть как дыры на рисунке. Исключение составляют только очень четкие и резкие графические рисунки.
4. Не сэмплируйте цвет прямо с фотографии. Это касается как цифровых художников, так и традиционных, но часто работающих с фотографиями. Цвет на фотографиях часто искажается и сливается. Если вы используете точно такой же оттенок на своем рисунке, то автоматически перенесете на него недостатки фотографии. Если ваша цель реализм, то вам нужно стремиться к качеству ЛУЧШЕМУ, чем у фотографий, - к ярким цветам, чистым переходам и отсутствию оптических искажений. НИКАКИХ оптических искажений.
Спасибо, что прочитали. Надеюсь, это вам пригодится.
Спасибо!считаю это самая полезная статья. цвет и его взаимодействие -одно из самых главных правил для художника!) Эту статью надо выучить !(многим)))
Картины из частей это модный декор, который добавит акцент в интерьер, обновит пространство и создаст нужную атмосферу.
Желтые модульные картины используются для того, чтобы дополнить интерьер теплыми солнечными нотами. Полотна сопровождаются подсолнухами, пейзажами в виде захода солнца, поспевшими колосьями. Желтый оттенок способствует активизации умственной деятельности и творческого мышления, поэтому он часто применяется для декорирования офисов.
Заказав картину у нас в Москве для себя или в подарок Вы делаете выбор в пользу качественных материалов, приятной цены и надежной доставки.
Читайте также: